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Spymonkey is a theatre company based in Brighton Uk and they are a comedy act. They’re an international company, since 2 of them are british (Toby Park and Petra Massey) the spanish Aitor Basauri and the german Stephan Kreiss. They came in Vicenza for an exclusive premiere at Basilica Palladiana of their show “The complete Deaths” where they stage a parodistic list of all the 75 deaths described by William Shakespeare in his  works. The show was performed in English with Italian subtitles and it’s realized by Spymonkey and Tim Crouch, who have directed it. Tim Crouch also performed at Basilica Palladiana after tim-crouchthem with his monologue “ IMalvolio” where he plays the part of the character from “The 12th night” depicting the cruelty of the Shekespearian comedies. I really like the show because it runs fast and it’s built with a contemporary visual language. It makes laughs everyone  but  if youre knowledge in all the sheakspearian tragedies and in the whole pop contemporary and modern culture you can laugh much more.

After the show I met Toby Park for the interview you can read below where he has explained me their point of view about  the show and staging death nowadays.

here  you can find all the Spymonkey informations and tour dates

at the end of the interview the full list of the next conferences and shows  ( such as Macbeth with Patricia Zanco and Vitaliano Trevisan, a special project of Aleksandr Sokurov  with Anagoor for Teatro Olimpico, Teatro del Lemming and Moni Ovadia with Studio Azzurro ) scheduled  for  the drama and performing arts festival  in Vicenza “Conversazioni- il teatro e le arti- LXIX Ciclo di Spettacoli Classici al Teatro Olimpico e alla Basilica Palladiana” and all the contacts.

The first thing that can shock the public is the “stage toby-parklanguguage” you use: the first of the most famous drama we see is Richard III where you do this great remix , like it was a dj set of images

Toby Park: “It’s a sort of post apocalyptic punk. There’s a Spanish company, La Fura dels Baus, for me and Itor, particularly, even we’re way now 20s, they were absolutely heroes, so when we started making the shows, we had lots of ideas for different sorts of experiments, avant guard theatre and thigs we really love and things we don’t love or we really hate, so that was us thinking how Fura dels Baus do Richard 20160917_201339III.”

There is also, in the show, something like Trainspotting.

“Yes, that’s true.”

You’re a comedy act but this is a great summary of 20160917_201332all tragedies, it’s a list of deaths but it’s funny. You also touch symbols like the orange suits, they are covered and this is very current: you take it one “the large side” because you say that we take a silent moment to think about the political changement in the Middle East . is it a osft way to touch a kind of death that the audience could be particularly sensitive to?

“ In a way our work is about art and how the artist can think the pomposity of the arts and the idea you can change anything throughout art. It’s a kind of self obsessed, certainly we find a funny idea or an idea that makes us laugh; so, for me, I really like to playing an artist who takes it very very seriously and try to realize an artistic vision wich is somehow unachievable for us. As clowns is always good to have an ambition wich is bigger than what we can achieve ‘cause it sets the bar really high on your ambitions, you overreach yourself and then you fail fantasticly. The most important thing is to do your best. The thing of the orange  jumpsuit touches something dangerous in terms of what of how the audience read it: there are allusions to Guntanamo and Abu Ghraib but that comes about thinking of what is the most pretentious way of presenting the death of Anthony settled in some unknown orange suit and place wich has an association but I think that is a part of our trying to make something ridiculous.”

In Italy we had a debate about the last earthquake because the magazine Charlie Hebdo,that has been injuried by the terrorists, did some comics about the deads of the quake and they depicted the victims  like different kind of pasta and people got really offended  by  this. Many intellectuals  said that our country is run by people that treat us like pasta and that don’t consider us and after the debate Charlie Hebdo charlie-hebdo-italia-terremotomade another comic to justify where saying that our houses are built by mafia. On twitter many people said  “we are nomore Charlie Hebdo, we are lasagna”. Do you think that in this period in Europe  we are all so sensitive that this can change also the way of treating the death on stage and in arts?

“Yes, I think that we’re living in a time of people sensitivities get more extreme. We’re living in an age of extreme and the response of things get supercharged and I think also there is a sense  that people are looking a way of being outrages and the whole social media twitter and Facebook it’s like very quickly spirals upward. For us we enjoy being dangerous, boundering of good taste because when you’re on the edge it becomes a dangerous thing: death is the most serious thing you can possible experience I think, loosing someone you love, but I think what this show is about is the impossibility of showing death on stage, that’s the impossibility of any artistic endeavour, what you can do is only a pale shadow of what the world is but I think that the work is about the frailty of the human condition: in a way it’s our tragedy that we try to create, something that is as beautiful as the world. As an artist you always do to fail it but trying to do that is noble and ennobeling and I think the same with trying to portray the death in a honest way. We’re not trying to upset people but we have set ourselves in an impossible target to present all these deaths and, in a way, it’s something heroic to try all 75 deaths in one performance but it’s also a ridiculous thing.”

Is it the first time for you in Italy?


So what did you expect?

“We came for a visit in July with the technicalmanager so we have seen the space and we were surprised: I think the acoustic in here is very challenging because it’s such a big space but it’s also so basilica-palladianabeautiful. I wrote the music in the show and it has been a fantastic thing to hear some of that music in this space, is beautiful and brilliant”

The all four of you can do everything: contemporary dance in a kind of the most important styles like, I don’t know, Pina Bausch, you can play instruments, you can write music. You use the word “Kunst”…

“…Yeah, the german word, Kunst.”

Yes, it sounds like something really intellectual because it recalls something not only about stage but also figurative arts like painting, or contemporary art or architecture. Your style, in comedy, recalls also what Wagner said Gesamtkunstwerk.

“Yeah, the total artwork”

Do you work in that way?

“Yeah definitely, definitely. Also dilettante: I love being a dilettante, I love to learn how to make and edit films, make music, produce new things, design, doing website because nowadays we have the tools to do everything and just the lack of time to learn them properly but I do believe in not being able to do things particularly well. David Bowie talks about the various things you can do and one of the amaze is giving bad instruments to experts so get an orchestra playing kazoo radically changes the command of what you have to do.”

Twist the roles

“Yeah and being able to do things not very well it’s interesting, I mean, for us, we do  a lot of things not very well and we do the commitment with passion that is a very funny thing.”

I saw that during the part of Macbeth everything is minimal and lightly funny: you create an atmosphere that we can expect like Scottish  music and 20160917_212313there is a kind of respect: at least by the side where I was seated I saw that the Death didn’t crochet anymore.

“No? Really?”

At least where I was, it was my impression that she didn’t. Have you actually treated Macbeth in a different way than the other tragedies? Compared to the other tragedies the style is more minimal.

“We asked, in fact, a choreographer from Wuppertal Tanztheater of Pina Bausch.”

Ah, so I detected the right style!20160917_214405

“You did! We worked with Theo Clinkard in Brighton and so he introduced us to some of it: it’s Pina Bausch but there is Martha Graham in there so introduced some cliché of modern dance moves and we had cone fun with that in the way we create the number. They have each a different character. We were opening the festival in Brighton, the director was Laurie Anderson and we wanted  to have some kind of allusion of Laurie Anderson.”

 Petra always says “I want to be Ophelia”: at th20160917_220526e end she has a banner with the name of Ophelia and the shadow play. At the end she actually plays Ophelia in the bubble because she is drown. All the world of Ophelia is created by cute animals and the bubbles, I read it like that. A kind of climax of Ophelia during all the work and at the end we see her dieing in a wonderful way like she was a kind of an angel.kate-bush-ninth-wave

“Yeah, Kate Bush!”

Yeah! Do you think that saying a famous name on stage or just seeing her name written is enough to create a climax that can explode wonderfully on stage than is just enough only the name?

“Well, the name is an association that people have with it, normally we have smoke in that scene and Stephan and Aitor do a very  lovely smokes and Stephan comes with that and blows big smokescreens to the audience. So there is bit more to that number, it was a bit naked here. That part of the bubbles and Ophelia is all about the other three, being allowed to do 20160917_220656all the things Aitor made them come to do because they throw me out and they somehow go together because they start doing bubbles then Petra arrives in a giant bubble.”

They create a kind of prelude to Ophelia. Do You think Tim Crouch has seen Ophelia like a kind of ethereal creature like ,indeed Kate Bush at the time?

“Yeah I Think so”20160917_215939

So, is it enough a name just to recall a great character? Is it enough to say “to be or not to be” or say “Ophelia” to  create the atmosphere to the people?

“No I don’t think it’s enough just to say the word. You have to take people imagination somewhere and this is the exciting , is what you can transform.”


 Contacts for the festival

Tickets  biglietteria@tcvi.it

Infos  infolimpico@tcvi.it

Tel 0444 327393


Next shows and conferences


24 settembre, ore 21.00

Basilica Palladiana

Accademia d’Arcadia / Gianmaria Sortino

Galileo: l’ordine dell’occhio al cielo

Musiche di Vincenzo e Michelangelo Galilei

Eseguite dalla Accademia d’Arcadia diretta

da Alessandra Rossi Lurig

Ideazione video di Gianmaria Sortino

Prima assoluta


28 settembre, ore 20.30 (anteprima)

29 e 30 settembre e 1 ottobre ore 20.30

2 ottobre ore 18.00

Teatro Olimpico

Aleksandr Sokurov


Liberamente tratto da Marmi e altre opere di Iosif Brodskij

Spettacolo ideato e diretto da Aleksandr Sokurov

Con la partecipazione di Alena Shumakova

Spazio scenico e impianto visivo di Margherita Palli

Assistenza e collaborazione artistica di Simone Derai e Marco Menegoni

Progetto e produzione di CRT / Teatro dell’arte di Milano

Spettacolo commissionato da Conversazioni 2016 / 69° Ciclo degli Spettacoli Classici del Teatro Olimpico di Vicenza

Prima assoluta


30 settembre e 1 ottobre, ore 22.30

2 ottobre, ore 20.30

Basilica Palladiana

Naturalis labor


Ideazione e regia di Luciano Padovani

Coreografie di Silvia Bertoncelli e Luciano Padovani

Musiche originali di Diego Dall’Osto e musiche d’epoca di autori vari

Prima assoluta


7, 8 e 9 ottobre, ore 20.00 e 22.30

Basilica Palladiana

Teatro del Lemming

  1. S. Tempest

Rielaborazione drammaturgica e regia di Massimo Munaro

Spettacolo commissionato da Conversazioni 2016 / 69° Ciclo degli Spettacoli Classici del Teatro Olimpico di Vicenza per la Basilica Palladiana

Prima assoluta


7 e 8 ottobre, ore 21.00

Basilica Palladiana

Patricia Zanco / Vitaliano Trevisan


Regia di Patricia Zanco

Traduzione e adattamento di Vitaliano Trevisan

Spettacolo commissionato da Conversazioni 2016 / 69° Ciclo degli Spettacoli Classici del Teatro Olimpico di Vicenza per la Basilica Palladiana

Prima assoluta


8 ottobre, ore 20.30

9 ottobre, ore 18.00

Teatro Olimpico

Moni Ovadia  / Studio Azzurro

Delfi cantata

Progettato e realizzato da Moni Ovadia, Piero Milesi e Studio Azzurro

DaI poema di Yannis Ritsos

Traduzione di Nicola Crocetti

Musica di Piero Milesi

Nuovo allestimento commissionato da Conversazioni 2016 / 69° Ciclo degli Spettacoli Classici del Teatro Olimpico di Vicenza prodotto da CRT / Teatro dell’Arte di Milano  


Program of conferences

24 settembre ore 16.00

Odeo del Teatro Olimpico

Sokurov VS Brodskji: lotta con il tempo

Conversazione con Gianni Canova, Fausto Malcovati, Maurizio Porro


27 settembre ore 17.30

Odeo del Teatro Olimpico

What’s Oedipus to him?

Conversazione con Monica Centanni e  Nadia Fusini

con frammenti teatrali di Indigena Teatro


1 ottobre ore 10.00 – 19.00

Odeo del Teatro Olimpico

Ordine, disordine e creatività dei Festival

Giornata di riflessione a cura del Laboratorio Olimpico

e dell’Associazione Rete Critica


8 ottobre ore 17.30

Odeo del Teatro Olimpico

Perfino le statue sono stufe

Conversazione con Moni Ovadia, Andrea Porcheddu, Vittorio Sgarbi


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Last week I went to Biennale in Venice to see a show staged by Spanish choreographer Albert Quesada on stage with Zoltan Vakulya who signs the choreography as well. The title of the piece is “Onetwothreeonetwo” and is concerned to rhythm. It should be a piece that shows a unstructured and contemporary flamenco. I liked very much the piece: it’s really affordable  by everyone, even those who are not used to see contemporary dance  since the language  wich is built  with is quite clear: it’a dialogue between the two dancers, the music and the rhythm and even if it’s minimal, the music helps people to recognize the main elements of this ancient culture of music and dance. The mixture of traditional signs and nowadays aesthetics is  really well blended and the stylish aspect is  wonderfully expressed  with a good balance of richness and bareness. I could say  that  what we  saw at Arsenale is a kind of minimalistic baroque form of show that is fully immerse in contemporary but that doesn’t forget or betray at all the roots of cultural identity.


Albert Quesada was born in Spain in 1982 and attended P.A.R.T.S. school of contemporary dance in Bruxelles, the Hogeshool voor de Kunsten ( university of arts) in Amsterdam and studied also Phylosophy and multimedia engineering in Barcelona. He’s a member of Zoo-Thomas Hauert dance company and he also creates pieces and dances by himself.

Photo of the show by Francesca Lanaro courtesy la Biennale di Venezia


I’ve seen that you have chosen very simple and basic costumes. How  important is the costume in the flamenco language  and performances, in general?

Albert Quesada: “I think it’s very important, very stylized and very recognizable and in our case we wanted something very simple, we didn’t want  to take the baroque style of the flamenco costume but we wanted  to get one of its essence of the style, of high pants and tight clothes and something you can put on and off” _DSF6612


Something  easy to manage during the performance

A.Q.:“Yes and something primary also with the colours we take,  white black and red.”


Usually we think to flamenco as something really rich, full of signs like music, palmas, singing,  dancing. How much flamenco can be minimal, since you both dance without music?

Zoltan Vakulya: “I think flamenco  can be extremely minimal  because flamenco is just an interpretation of mood, feelings and you inner drive to movement it can be very very little.”

Since you’re not Spanish, how do you feel and live this strong culture of performing  arts?

Z.V.:  “Well I think  I feel connected  to it in some ways  because the music makes me move and there is already enough I think. There is a very  connection of being Hungarian and having some gipsies in the family  and I think I’m somehow connected to the feeling because the gipsy music and gipsy dances, in their roots,  are very similar. I’ve been doing a little bit of gipsy dancing, I’ve been going  into gipsy in Hungary some times ago. that could be the connection but for me it’s just listening to the music and feeling that it makes me  move.”


I’ve seen painted with gold and painted with blacks on the legs like the color is dripping. Why the color is  dripping?

A.Q.:  “Because it’s what flamenco did to us: it came slowly next to us and at some point it took over and I think that’s  what happens a little bit with the dance, it becomes more and  more “flamencoish” and we wanted to represent that through something  that we don’t control; we put on as a costume and it comes  through us and we exchange this colors. It’s a way of sharing the part of our dance through a material that is alive.”_DSF6570


The choreography in the part with the song and voices is built similarly to the part of the choreography with no music. It’s like if in the choreography the dancer is searching for himself and offering  himself  to someone, to  the people, to God, I don’t know.  it’s something  very mystical: he turns, he looks at himself he offers himself and turns and turns with and without the music. it’s something like it’s a prayer

A.Q.: “Interesting reading. I think we approach it, at times, more like a storytelling of being aware of the movement to do and sharing them with an audience acknowledging  that we are doing these movement  you’re witnessing and it’s a very simple fact of sharing a moment. That’s indeed ritualistic sharing with somebody, I think we are very aware of that and looking out and acknowledging that we are all enjoying an evening with this amazing music.”


in the program You say that this is not a flamenco piece and you ask what is flamenco, if we think  to flamenco  we think to something different . The most famous work about flamenco  I’ve seen is  Fuenteovejuna  by Antonio Gades: it’s different from this and yet many of the things we see here, in this piece can be recognized as flamenco  or anyway as elements of Spanish culture and some gestures recall to corrida and the ancient relationship between the man and the animal. Why you say that this is not flamenco if everything we see can be recognized as an evolution of something traditional?

Z.V.: “I think it’s one reading from the many. For example a work of Emenuel Gat, a choreographer who is performing here in this festival, in his earlier work, wich is completely contemporary on Mozart and that had no connection with flamenco and any traditional music, I see a lot of the basis of flamenco and evolution of flamenco. You can interpretate in many ways. I think what you say it’s right because that’s how  see it  but it’s not our intention to bring that point of view.”


So what was your intention? if we recognize something  like flamenco  but it’s not flamenco so what it is?

Z.V..: “To me what I do here has no need  to look or feel anything like flamenco, this is if you put this music that how I move because that’s how  I’m on a play with the music and obviously because this music it’s going to drive  way in a similar way than the evolution of flamenco . the evolution will reveal this somehow  but we don’t try to approach it directly but we might go round it.”


Do u think that flamenco can be such a strong language that drives you to “think flamenco”? It’s like a language: if you think in catalan, when you talk another language like it can be English or French, usually  you think in catalan than you translate in another language. Do you think that you could do something  “flamencoish” even with another music?

A.Q.: “Absolutely and going back on what you said before, with the program saying that this is not a flamenco  piece, I was mainly about audience come in and expecting  a piece of flamenco with proper flamenco costumes and whole things. I wanted  indeed open at the idea of flamenco it can be and using only one of the elements of flamenco that is the music and to play with the other elements around a little bit. We wanted to invite the audience to experience  the flamenco music in a slight different  way  but indeed  this is  contagious, as the paint is contagious as the music is it can make me feel in a different  way and  be different and  with  the rhythm of flamenco that is possible.”


So also when there is no music and it’s all silent you play flamenco because it’s your language?

A.Q.: For me silence is the moment of listening  to the voices of old flamenco singers and that flamenco singers, the space in between the guitars notes and the space between the singers and the guitar players.”


Are there some elements of other culture that can be integrated  as a part of Spanish culture and performing arts? Sometimes  it happens to see  irish dances melted with Spanish ones for example. Can you use flamenco with othere genres like hip hop for example?

A.Q.: “You can do anything!”


I know you live in Bruxelles and Barcelona. In some italian magazine I read that many arabic people expecially in NorthAfrica and so on, like the arabian heritage in Spain is still part of their culture. what Spanish dancers, choreographer, people of culture, think about this new form of Islamic terrorism that has our western way of life as a main goal? Do you think that Spanish culture can be  more subjected  to a cultural attack? Vatican is another cultural goal of Islamic terrorism. Do you feel like a kind of danger more than in other places?

A.Q.: “I think we are all in danger, in Italy, Spain, Russia, everywhere. There is no place more dangerous  than the other today.”


Can you imagine a kind of future where there will be some restrictions? Maybe “tomorrow” we won’t be able to see a naked dancer or something else that will be considered offensive. Do u think  dance can change in some way because of these people that are coming have a different culture we have to think about?_DSF6786

A.Q.:  “No I don’t think that dance should or will change in this way at least not in Europe or not in another country but I don’t  think politics should get involved in culture.”

Z.V.: “Expecially nothing change in violence because you talk about terrorism.”

Maybe also the people that are coming with a different culture, when they will be more than us…

Z.V.: “What do you mean by us?”

Europeans with our culture. They have their religion and they want follow it: they could want to go to theater and not to see a naked dancer or a kiss.

Z.V.: “They don’t come to theater and what we experience, I think in Brussels, like a personal  experience,  who is coming to theatre has different  chosen. I see there is a selection of religion in audience, the ones who don’t want to see the show because they don’t like it they don’t come to see the show, it think it’s that  it’s very difficult and what you said “when they will be more than us”: when they will be more than us?

 Maybe in few years

Z.V.: “On what basis can you say that?”

In Italy we talk a lot about this: many governments say that we are too old and we don’t have people  that work. They do more children than us and we need them to come to us.


Z.V.: “There is a very important integration that it happened  obviously but I would be afraid of people  talking like you now and in the future because this is not helping  anything. if that’s your point of view: “in a couple of years they will be more” , can you tell me how many people came in the last year From Africa and Turkey? A million. Do you know how many people are living in Germany? 80. This for me is a very sensitive answer, it’s just a very important and interesting  question what you ask but if you go to Qatar or Saudi Arabia  you would put the thing on your head because you’re a  guest: we should also approach people  here this  way. We have our way of living and we need to established that together but those people running in Siria: there are 3 points trying to shoot people and now the European Union is paying Turkey to shoot them on their home, so where do u go? This people have 4 guns on them with the kids.”


Trailer of  the  show










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Balletto di Roma goes contemporary with PARADOX

Balletto di Roma Fem 03 ph.M.Carratoni


Paradox is a new production by Balletto di Roma, premiered for the  first  time  at Belgrade Dance Festival  on april 7th . This is  the first production of  the Company  since  the new designate artistic director  Roberto Casarotto, and it has been  premiered  for  Italy in Padua on late april 2016

The  work is presented  as a triptyque create by 2 chroreographers : israeli  Itamar Serussi Sahar, yet dancer in Batsheva Dance Company  and choreographer  for  Scapino  Ballet  and Italian Paolo Mangiola, from Royal Ballet and WayneMcGregor|Random Dance and now at Balletto di Roma.


Paradox is a pièce inspired  by gender identity


I unfortunately wasn’t able to see the first act  (Shyco) staged  by itamar Serussi Sahar but I really enjoyd  the  other 2 acts, the second (Fem)  created  by Magiola and  the last  one  (Tefer) again  by Sahar.

Two really different creations  where  the common  aesthetic point is the simplicity Balletto di Roma Fem 01 ph.M.Carratoniand bareness  of the stage design, where the lights  and backlights  shape and enhance the movements and the  bodies. In the second act “Fem” there is a progression and a strong vibration of the music and the  4  ballerinas have a different  choreography for each one  that sometimes  are connected  together. The impression  is  that the joint between  two dancers is a kind of metaphore of  the encountering with oneself and the other  part of oneself.


When I usually meet corheographers,  independently where  they are  from , they almost always  tell me  that the most important thing  for  them is that the audience can see just persons  that are dancing. So, In my opinion, since  the main theme of the tripthyque is  gender, the question is: wich gender we are talking about  when  we  think of people? And what gender  when people are  dancing? Talking  with Paolo Balletto di Roma Fem 02 ph.M.CarratoniMangiola he explained  me  that the touch of  the ballerinas  play on stage among  them  is a touch of knowledge, supporting , something  gentle, kind   and  welcoming . lights are in the front side and in the backlight as well and they create  a contrast. The whole act is very dynamic but really poetic.


The last act is named “Tefer” . A man in backlight is moving in contraction, extension and bending . Other dancers get on the stage and they assemble in couples comparing themselves like if they were  before mirrors. Al the choreography become a kind of a Balletto di Roma Tefer 01 ph.M.Carratonidialogue among  many people that express the same  thing. Someone “says” something  different but  there is anyway a “trend of the group” to unify the message. There are noises of swords and blades and the choreography is the same  for  all the dancers and has some modular structure that could convey a kind of “cold” aspect to a piece but the accent  that is given to some gestures , like hands on the hips  for example, can take  back to the dances of folk origins. Itamar Serussi adds some full colored  magenta light that can remind  some videos  of Balletto di Roma Tefer 04 ph.M.Carratonielectronic music where depersonalized bodies are depicted ( first thing I thought  when  I saw  it  was:  kraftwerk). These bodies  don’t forget to be humans  and  that they have something that distinguish them  one  from  the  other.



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vlog recensione gazebo, la vera storia di danish girl e primo film omosessuale

vlog gazebo danish girl artisceniche





Ritornano i videocommenti! in questo video vi parlo della trasmissione televisiva “Gazebo”, della vera storia della “Danish girl” e del film omonimo a lei ispirato ( dal minuto 12.05 circa) e del primo film a tematica omosessuale con Conrad Veidt. Special guest il mio gatto Birmano Sacro Lancillotto!

nel video viene riportata la mostra di Gerda Wegener in corso a Copenaghen fino a maggio, tutte le info a questi lnk



buona visione!

l’articolo del telegraph dal quale ho preso alcune notizie


uno dei tanti blog che ho consultato


un interessante articolo riguardante i costumi del film, il vestito inteso coome espressione di sé e di liberazione della persona


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i suoni della CAMORRA. intervista con ROBERTO NAPOLETANO


roberto napoletano


“Camorra Sonora” è un bellissimo monologo scritto da un attore napoletano di nome e di fatto, naturalizzato vicentino. Roberto Maria Napoletano, così si chiama l’autore-regista e interprete della pièce, è nato a Napoli ma vive a Vicenza da sempre senza aver preso alcuna inflessione  veneta. Parla perfettamente la lingua napoletana e ha scritto questo monologo in cui il protagonista è una figura archetipica del servo, paradossalmente incarnata da un personaggio fittizio della cultura popolare: Pulcinella. Il filo narrativo  scorre lungo una linea di tempo allungata  dalla creazione di questa maschera che è in ogni caso  protagonista, fino ad arrivare ai giorni nostri. Senza entrare in dettagli cronachistici,  Napoletano parla di una Napoli violenta da sempre, con motivazioni sempre uguali alle originarie fino ad arrivare ai giorni nostri in cui le dinamiche di violenza, sopruso, prepotenza e ricatto si sono ulteriormente inasprite. In questo ritratto di una città che è sia palcoscenico che personaggio,  non ci sono sconti per nessuno, non vengono date né colpe né giustificazioni  e tutta la narrazione e la dinamica dei fatti si reggono su un concetto cruciale che andrebbe assimilato: la responsabilità di ciò che accade è nostra e non dello Stato o del  dominatore-invasore. Tirare un grilletto è una scelta personale, anche in una situazione di coercizione violenta. Non è tuttavia solo una storia napoletana questa, ma potrebbe esser ambientata ovunque ci siano dinamiche di poteri che fanno pressione su individui deboli che finiscono  al “cane mangia cane”, perché si sa che la regola principale della tirannia è indebolire il tessuto. Divide et impera.


“Camorra sonora”: perché “sonora”?

Roberto Napoletano: “ Come si può sentire dagli effetti che io stesso ho creato, non ci CAMORRA SONORA - LOCANDINAsono musiche ma degli effetti sonori. Delle volte non sono più le canzoni che ci ricordano qualcosa ma basta anche una sola nota. E quando è una sola nota, molto di più è un rumore che ci fa ricordare sulla pelle molte cose e in questo spettacolo sono cose più brutte che questo servo ha vissuto. Dai suoni cupi, ai tuoni, ai rumori della pioggia che cade scrosciante, Pulcinella ricorda il primo omicidio che ha fatto.”

Anche della gestualità che c’è, perché lui è a letto e tu vedi il segno della pistola, il pungo, gesti di violenza. Quindi li ha assimilati al punto che l’inconscio li rivela.

“Esatto. Lui non ha una mente tranquilla, il sonno è sempre agitato.”

Quali sono le cose che più ti hanno colpito sentendo la cronaca o anche i film e i libri, Saviano?

“Tutti noi abbiamo letto il libro di Saviano, visto il film di Garrone ecc, non mi sono voluto, però, ispirare a questo né ho voluto approcciare la realtà dei fatti: non nomino nessuno dei capiclan, così come quel nome che dico, Giuseppe, è assolutamente inventato perché non volevo cadere nella cronaca. Immaginiamo questo: la maschera pulcinelladi Pulcinella è nata nel tardo ‘500, immaginiamo che sia un servo. A Napoli ci sono dei padroni. Da quale sfera sociale nascono quelli che possono avere dei soldi? Attraverso cosa? Napoli è un golfo, quindi dal commercio. Mettiamo una cosa qualunque: stoffe. Che arrivano dalla Turchia e da tutto il mondo. Mi sono inventato questo, quella loro mania di espansione e grandezza: chi ha poco denaro ne vuole molto, chi ne ha molto ne vuole di più, che ne ha di più ne vuole troppo. Questa è la storia del padrone: si voleva arricchire anche a scapito delle leggi di quel momento fatte dai dominatori nel corso dei secoli. Il nostro è un Pulcinella immortale così come lo è il suo padrone. Sono archetipi”

Però tu nella pièce citi le varie dominazioni: gli aragonesi, i turchi, i francesi, i normanni, ma non citi i Savoia! Perché non citi i Savoia?

“Nel testo c’erano, su questo ti dò effettivamente ragione, ti posso dire che sul fattore della modernità ho considerato questo, i Savoia sono l’ultimo fattore per arrivare all’èra moderna. Per arrivarci ho usato polizia, ambulanza, carabinieri e i giornalisti per dire che siamo arrivati anche ai nostri giorni. Non voleva essere né un fattore di difesa né di accusa contro i Savoia, semplicemente non ho voluto citare famiglie, cognomi dei clan, infatti ho detto “i Normanni” e non quale re normanno. Io stesso, la famiglia Napoletano discende dai Caracciolo. Non ho voluto né osannare né criticare, perché secondo me si cadeva troppo nella cronaca.”

Servo e padrone sono archetipi e il popolo napoletano non può identificarsi nel padrone, però tutti sono servi e padroni, perché il padrone è un bottegaio.

“Certo, infatti anche lui viene vessato dai dominatori, ci vuole provare a farla franca, vede che arriva ricchezza e potere ma sa che ci sarà sempre qualcun altro che sarà più potente.”

C’è un po’ sempre questa cosa ambigua, nelle crime stories, in cui viene data una sorta di giustificazione al “cattivo” perché nel momento in cui si propone il suo punto di vista, diventa giustificabile la motivazione che lo ha spinto a fare…qua vediamo che il padrone è un commerciante normale, vende stoffe buone, però è un malamente, fa le stragi e alla fine lascia tutto al servo che chiama fratello, amico. Parole che hanno un peso e un valore enormi perché anche se sei malamente, usi dei termini che ti coinvolgono e ti vincolano.

“Come succede nei veri clan: purtroppo arrivano ai patti di sangue dove dobbiamo fidarci e ci dobbiamo dire con chi ce la facciamo, se qualcuno ci deve dare fastidio perché tu sei andato a “pippare” l’altra sera da un’altra parte…”

Si ma si arriva al punto che nemmeno ci si fida.

“Esatto: solo io sono attaccato alla fede per il padrone mio perché solo io ero l’unico servo perché gli altri erano operai e simil-commercianti che lavorano con noi, ma chi sta veramente sotto, chi si fa il taglio sulla mano e resta fedele al padrone ci rimane fedele per sempre.”

Tu parli di una camorra legata al commercio dal basso: bottegai, mercanti, operai ecc.  per cui fai vedere che la camorra è qualcosa che nasce dal popolo. È una cosa molto pesante e impegnativa quella che metti in scena, cioè non parli di un potere che nasce in quanto potere o che viene legittimato da un altro potere, che ne so, i Savoia che si 170px-Carmine_Crocco1servirono della camorra…  

“…Per il brigantaggio!”

Ecco. Tu parli di un potere che nasce dal basso e si sviluppa.”

“Lo so che potrebbe essere deviato: potrebbe essere che allora gli operai sono quelli più alla mercè per diventare criminali. Questo lo ripeterò sempre: è una storia inventata. Potrebbe essere successo così perché io mi sono andato a leggere le origini della camorra, ma sai quanto  parlano delle origini della camorra? Tanto così…”


“Per me anche con questo fazzoletto sporco di rossetto  ci fai uno spettacolo di tre ore e mezza.”

Poi volevo chiederti di questo fatto d’ ‘a cucchiarella che funge da fierro, da curtiello: ‘hê pigliato sul ‘a cucchiarella perché volevi far vedere la povertà oppure perché hai voluto far vedere che in scena quello c’era e quello può fare tutto?

“Questo voleva essere un espediente di Commedia dell’Arte, ma non volevo fare uno spettacolo di Commedia dell’Arte. Volevo fare vivere questa maschera attraverso degli oggetti. Come hai visto la scenografia è scarnissima se non assente quasi del tutto e quel poco, a Pulcinella gli basta. Pulcinella, infatti, lo ha fatto nascere il popolo per CAMORRA SONORA - FOTO 2irridere i potenti, il popolo che non teneva niente, che si arrangiava col pentolino vuoto e con la cucchiarella che sta llà e che può sbattere solamente a  llà perché c’ho fame e per questo sono diventato servo tuo: per poter avere la garanzia di essere sicuro di avere una casa e uno stipendio. Però uno sbaglio l’ho fatto: ti ho detto sempre di sì, ho fatto un patto di sangue. Non fosse mai arrivato quel giorno di pioggia, quel giorno di festa, che mi misi a tirare i coltelli e a sparare a quello: se non lo avessi fatto, mò di cosa staremmo parlando?”

Ma cumm’è che questo padrone nùn ‘o chiamm “Masto”?

“Stiamo a Vicenza! “Masto” lo avresti capito solo tu! E infatti abbiamo fatto lo sketch!”

Eh ma hai fatto “ ‘o mesale”, hai fatto “ ‘a cucchiarella” !

“Ma perché tu mi hai interrotto subito: io ho detto “mesale” e tu hai detto “tovaglia” altrimenti sarebbe durata 5 minuti!”

Ma tu chiedi la spalla al pubblico, questo è un debutto, nuje c’ ‘amma fa?

“Ma tu c’hai ragione, io ho messo anche alla prova: vediamo se il pubblico sta reagendo!”

Hai tirato fuori “Jesce sole”, Nuova Compagnia di Canto Popolare. Le nccpcitazioni a Peppe  Barra sono evidentissime.

“ Se posso però permettermi un appunto: NCCP è errato perché “Jesce sole” è un canto del’600 perciò l’ho preso da là. Certo le acutizzazioni dal punto di vista della tonalità le ho prese proprio  dalla NCCP.”

Tammurriata Nera, che lui fece “La guerra”, che tu hai cambiato ancora.

“Esatto: “La guerra” dice che arrivano gli americani e quello nero gli dà la “botta”, è peppe barraper dire che noi abbiamo fatto la guerra ed è morto acciso nù guaglione e quando c’è una guerra non si nasce, si muore.”

La pièce l’ho trovata molto commovente perché parla di una realtà che qui o fuori da Napoli non è molto capita secondo me, eppure tu sei riuscito a far capire quanto la problematica della camorra non sia soltanto un discorso di organizzazione internazionale, come ci hanno fatto vedere Saviano, Sollima e Garrone. Tu ci stai facendo vedere che la camorra è un atteggiamento intriso nel tessuto sociale delle persone, nessuno è immune.

“Nessuna concessione all’innocenza, tutti quanti siamo colpevoli, da un certo punto a un altro: magari tu non te ne accorgi e lo stai diventando. Sai quando la gente ti dice: “ma chi ti credi di essere?” e tu dici: “ ma perché? Che ho fatto di male?”. Kipling diceva  “…se riesci a non dubitare di te stesso, quando tutti ne dubitano,  ma anche a cogliere in modo costruttivo i loro dubbi…”, cioè anche gli altri hanno un cervello, non prenderli per fessi, non ritenerti estraneo alle critiche e al di sopra perché chi vuole stare sopra alla gente, per chi vuole comandare il quartiere, il sangue degli altri non è più un pensiero, anche se dice che lo fa per proteggere. A chi!? Se vogliamo proteggerci lo dobbiamo fare l’un l’altro senza un capo.”

Anche perché tu dici: “ma qual è l’età giusta per morire?”gomorra manu

“Esatto: “ma perché ci sta un’ età giusta per morire?”.”

Pulcinella uccide un ragazzino perché gli hanno detto che è comunque grande e chi se ne frega. C’è una gerarchia dei morti, purtroppo.

“Perché deve essere tutto scusabile. Se dobbiamo andare al potere lo dobbiamo scusare: “ma non capite? Lo abbiamo fatto altrimenti lo avrebbero fatto loro, noi abbiamo salvaguardato”. E gli altri dicevano: “uccidilo perché tanto è grande, si può fare”. Perché se è grande è responsabilizzato, lo sa benissimo che si è messo dall’altra parte ed è cattivo anche lui, si può fare. Poi, dopo che ho scoperto che ha 16 anni, è da là che comincia il pentimento. Ricordiamoci che Pulcinella sta in cella di isolamento e per la prima volta vede della gente dopo che è stato incarcerato, forse è anche per quello che c’è finalmente una confessione in cui si può dire che ha ucciso.”

Questo rapporto con la potenzialità, con la possibilità: Pulcinella ha ucciso il ragazzino, poi lo incontra nella sua coscienza, nei suoi sogni, e gli dice di riscattarsi, di scappare. “C’ fatica vuò fa? Vuo’ fà ‘o scrittore? Sarò servo tuo quando mi porterai il copione, intanto vatténne”. Spiegami questa cosa.

“Pulcinella rimane sempre un servo della Commedia dell’Arte, attraverso tanti testi che sono stati scritti da tanti autori dal ‘500 ad oggi. Questo ragazzo ucciso è dei giorni nostri: magari poteva crescere e diventare un nuovo Roberto Saviano, faceva il bottegaio, faceva il camorrista, qualsiasi cosa. “No, io voglio fare teatro! Mi piace scrivere!”. Ha 16 anni, non è ancora responsabilizzato del tutto, gli piace questa maschera di Pulcinella che irride i potenti nonostante sia servo e che comunque non vuole stare sotto a nessuno : “bravo c’hai curaggio, Pulcinella. Però ti posso dire che hai sbagliato, io mò sono morto, sto dall’altra parte e se ne avessi l’opportunità, scriverei un’opera teatrale su di te per farti redimere completamente. Certo mò ti hanno messo alla gogna come il servo di una camorra ma tu sei molto di più e puoi anche riabilitarti, come tutti gli altri che se cadono nell’illegalità non è che non c’è più speranza , basta che ce la fai, basta che qualcuno ti dà una mano.”

 C’è anche questa cosa ambigua che illegalità non vuol dire criminalità, è molto sottile questa cosa, c’è in tutta Italia, però giù forse è più sentita.

“Guarda, penso alle schede telefoniche contro l’illegalità, a Napoli: “sì, ho comprato uno stereo rubato, ma che c’entrano i morti ammazzati? Tutto è collegato.” Così come quando tu espandi il commercio e te ne fotti degli altri commerci. Anche loro devono campare, hanno famiglia, se rimangono senza soldi e mangiare, vedi quello che succede: quello che si dà fuoco, arriva uno dentro la bottega che dice “mò basta” e fa omicidio suicidio, la goccia che fa traboccare il vaso. Ci stanno gli imprenditori che la fanno finita perché sanno che sono 6 mesi che non riescono a pagare gli operai.”

 C’è una cosa molto importante che ti voglio chiedere: tu sei nato giù però sei cresciuto qui. Prima domanda: pensi che saresti riuscito a scrivere un testo così lucido e penetrante se fossi cresciuto lì, che vivi lì? Seconda domanda: pensi che giù accetterebbero un testo così, scritto da un napoletano che però lo è fino a un certo punto, perché alla fine sei di su?

“È vero, è vero.”

“Tu stai su, che ne sai?” questo è sempre un po’ il problema, no?

“Alla prima domanda ti rispondo che l’amore rende ciechi ma l’odio pure. Alla seconda vorrei dire che per fortuna o purtroppo, essendo cresciuto qui , sono cresciuto nell’emarginazione perché erano i primi anni della Lega in cui i colpevoli non erano gli extracomunitari ma erano ancora i meridionali. Poi, dopo i 10-12 anni, “per fortuna” se la sono presa con gli albanesi. È tutto un fenomeno di reazioni chimiche agli altri comportamenti umani che colpiscono te. Fino all’età di 18 anni non parlavo con nessuno, balbettavo sempre poi in quarta superiore ho scoperto il teatro. Se dovessi CAMORRA SONORA - FOTO 1

portarlo a Napoli questo spettacolo spererei di avere un po’ di fiducia, qualcuno che si chiedesse: “ma sai che vuless proprio capì come mai è nato ’sto fatto, ogni giorno in tv ci scassano le palle, sempre di camorra. Siamo sempre noi i colpevoli?”. Pulcinella non è nato colpevole, è un servo come tanti, poi, come ti dicevo, odio, amore e soldi, rendono ciechi. Loro non si sentono perduti ma neanche salvati. La lingua napoletana e dei gesti è nata proprio dal fatto che si dovevano far capire da tutti i dominatori che cambiavano, per dire, ogni 50 anni: una volta che avevi imparato il francese, dovevi imparare lo spagnolo.”

Conosco Napoli, è una visione molto lucida e appassionata ma anche molto distaccata. Questo perché vivi lontano?

“Ne sento sempre nostalgia. E forse se avessi avuto degli amici, non l’avrei avuta. Tornavo a casa dalla scuola elementare, facevo i compiti di matematica e mettevo una cassetta di Eduardo, soprattutto una: Lu curaggio de nu pumpiero napulitano in cui ci sta Tommaso Bianco che fa Pulcinella:  “Sissignore, vostra Eccellenza Illustrissima, non lo nego, ma l’ho scassato perché, se vi ricordate, vostra Eccellenza mi stava chiamando di fretta e io, per correre da vostra Eccellenza Illustrissima, menaie tutte cose ‘nterra.”-  “ E chi ha detto che le tazze le devi pacare tu?”- “U’ maggiordomo, don Achille.”- “U’ maggiordomo..Don Achille è una bestia! Quando un servitore rompe una qualcosa per servire me, non la deve pacare. Bravo Pulcinella, ti sei comportato benissimo. Le tazze le deve pacare don Achille.” Così come Ferruccio Soleri, maschera per eccellenza di Arlecchino vivente,Tommaso Bianco è riconosciuto tommasobianco_gianluca_perticonicome la maschera per eccellenza, di Pulcinella, vivente. Sentivo sempre questa cosa e Tommaso Bianco tiene testa a Eduardo. Secondo Orson Welles Eduardo era uno degli attori più formidabili della storia: anche se sta sul palco senza fare niente e la scena è tutta da un’altra parte, tu guardi solo Eduardo che non sta facendo niente. Quando faceva i provini ai suoi attori li faceva camminare dietro le quinte, se sentiva rumore di passi li mandava via. Quando stai fuori di scena…”

Non devi disturbare chi è in scena…

“… No! Poi ritorni dentro a fare più rumore che puoi sul palco, ma fuori  t’hê sta zitt, perché se sta andando da cani come puoi saperlo? Almeno se torni dentro puoi dare una mano. Se non ascolti e ti fai i cazzi tuoi non sai nemmeno a che parte stiamo.”

Anche perché hai scaricato energia.



“Lu curaggio de nu pumpiero napulitano” con Eduardo e Tommaso Bianco
















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Erma Pia Castriota, in arte Her, è una bravissima artista originaria del Gargano. Famosa come violinista, forse la più famosa suonatrice erma_pia_castriota_her_bigdi violino elettrico in Italia, è anche attrice di teatro e di cinema, nonché scenografa e pittrice. La notai già dalla fine degli anni ’90 quando collaborava con la band pugliese Nidi D’Arac, un gruppo che ha ripreso le tradizioni musicali salentine e le ha esplorate sfruttando il linguaggio dell’ elettronica; poi con Franco Battiato, Teresa De Sio e molti altri. Ho avuto il piacere di conoscerla di mnHMgHly-KcImYyoz4dDw8Apersona anni fa alla Mostra del cinema di Venezia in cui veniva presentato il film di Massimo Andrei “Mater natura”, film corale che aveva come protagonisti appunto Her, Enzo Moscato, Vladimir Luxuria, Maria Pia Calzone, Luca Ward, Gino Curcione e altri.Da qualche anno è una dei protagonisti dell’imperdibile spettacolo diretto da Luciano Melchionna “Dignità Autonome di Prostituzione”. Her qualche anno fa ha pubblicato un bellissimo album che si chiama “Magma” al quale ha collaborato anche magma_coverla cantautrice Momo, anche lei presente a Dignità Autonome di Prostituzione. Ho fatto una breve chiacchierata con Her durante una pausa tra un’esibizione e l’altra del monologo “La dama del fiume” nell’ambito di Dignità in scena al Bellini di Napoli.

Tu sei conosciuta come musicista, però sei diplomata in Scenografia 10441324_1047468218608920_5066258530689962706_nall’Accademia di Belle Arti di Foggia e cominci come pittrice. Per te è molto importante rappresentare visivamente la musica; pittura e musica hanno in comune molti termini tecnici come “timbro” o “armonia”. Nella tua ricerca quali traguardi hai raggiunto?

H.E.R. : “Per me il traguardo, soprattutto considerando questa esperienza teatrale che è stata per fortuna sempre riconfermata, è la totalità: dare veramente se stessi al servizio del pubblico e della sensibilità del pubblico, riuscire a colpirla profondamente. Perciò questo è il mio traguardo, al dilà della tecnica e qualsiasi cosa che ovviamente bisogna avere per una questione proprio di linguaggio che acquisisce tecnica ma poi bisogna svincolarsi da quella.”

E come riesci a tradurre un timbro musicale in un timbro visivo, pittorico?

“Esattamente con un allenamento a 360°, al dilà della tecnica musicale, io mi alleno e cerco di alimentare la mia sensibilità che ovviamente non si ferma solo alla musica ma anche appunto nel campo visivo e fisico.”

In una intervista hai detto che il punk e il post-punk sono state delle grandi discipline estetiche.

“Certo, il punk è stato il primo grande fenomeno di musica


estremamente visiva”

Il punk era libertà e anarchia, la disciplina non ha delle regole che una corrente come il punk dovrebbe sovvertire?

“Sì, sicuramente è un ossimoro, potrebbe sembrare una contraddizione, il punk con la disciplina, infatti a me piace un aspetto del punk e poi ovviamente faccio la mia arte che è fatta anche, purtroppo, di disciplina. Mi piace un aspetto del punk ma non sono un’artista punk.”

Poi c’è stato il post punk.

“Beh, il post punk è veramente dentro di me, in questo mi identifico a-forest

totalmente, mi sento assolutamente molto ispirata dalle icone anni ’80, dai Bauhaus , Siouxsie and the Banshees, maanche quelle pop come Eurythmics, Culture Club, Dead or Alive, c’è un po’ di tutto, Depeche Mode…”

Sì, Gothic, New Wave, Dark, Elettro pop, c’è stato di tutto.

“Sì, mi appartengono queste cose perché sono cresciuta con quella musica.”

Però tu sei un’artista meridionale.


Con una forte identità culturale meridionale e mediterranea.
“Sì però la famiglia di mio padre, dai primi del ‘900 è stata Trieste e mi sento altrettanto legata al Nord Est. Sono una pugliese DOC ma la mia famiglia ha cercato fortuna a Trieste e io stessa ci sono andata spesso e in qualche modo ho ricominciato da capo in quella città, perciò mi sento una cittadina del mondo: sono ovviamente legata tradizionalmente, storicamente e musicalmente al Sud ma mi sento un’artista assolutamente europea per certi aspetti.”

Però la new wave, dark, gothic degli anni ’80, hanno influenzato molti artisti mediterranei, come mai la musica mediterranea non ha avuto lo stesso peso in quel tipo di cultura nordica?

“Non è detto, io quando mi sono esibita con i Nidi D’Arac, gruppo elettrofolk, sia con Teresa De Sio, per varie esperienze, ti posso dire che il Nord è assolutamente ricettivo nei confronti della musica del Sud, stai paragonando post punk, new wave, fenomeni main stream per certi aspetti assolutamente ad ampio spettro… come si può negare che la musica del Sud, anche quella più popolare, tipo “ ‘O her e teresa de siosole mio”, la canzone più famosa del mondo ed è una canzone napoletana! Perciò ti devo contraddire. Io penso che il mondo sia molto ispirato dalla musica del Sud, la musica del Sud è ovunque: il mondo in generale, anche il nord, è assolutamente contaminato dal Sud.”

Sempre in questa intervista dicevi che i grandi produttori discografici chiedono sempre ai musicisti italiani quale sia il riferimento estero. Quando ci sono degli artisti stranieri che arrivano magari da piccoli centri o molto giovani, vengono lanciati in tutto il mondo. Come mai artisti italiani o europei che vengono da piccoli centri non vengono lanciati nello stesso modo sebbene quando vengono ospitati in festival hanno degli ottimi riscontri?

“Io penso che in questo momento ci sia una grande confusione da questo punto di vista, perché i talent hanno ormai azzerato, la mediocrità dei talent, ma non tanto in quanto abbiano selezionato delle persone , il fatto che li vogliono estremamente giovani ed estremamente inesperti, hanno una spolverata di tecnica ma manca tutto il resto, manca l’esperienza, l’anima, l’energia, che acquisisci con il tempo. Da questo punto di vista credo che siamo in un’epoca di grande confusione, grande ingiustizia e poca meritocrazia.”

Però forse è anche data da questo grande equivoco per cui si cercano passione e anima senza pensare che per trasmettere passione e anima ci vuole una grande tecnica dietro.

“Mah la tecnica questi ragazzi ce l’hanno, non posso negarlo ma per me manca tutto il resto. Essere cantanti fino, appunto, gli anni ’80 significava portare un mondo, raccontarlo, avere dei testi, qualcosa di importante. Adesso sembra che veramente essere dei cantanti significhi perdere 3 minuti su un timbro, su un suono e così si tirano praticamente le trasmissioni: i canovacci televisivi perdono le ore in un suono. Io lo trovo paradossale, assurdo e ingiusto.”

In Dignità Autonome di Prostituzione, tu ti esibisci con i piccoli gruppi che nelle situazioni frontali. Quante edizioni hai fatto?

“Io sono in Dignità Autonome dal 2008-2009”

Quindi almeno 6-7 edizioni le hai fatte.
“Si sì”.

Quale è stato il riscontro che ti ha colpito di più sia nell’esibizione frontale che in quella interattiva?

“Mah guarda, quella interattiva mi mette molto in discussione perché si lascia spazio all’improvvisazione, a tutto quello che è esperienza da performer che ho perché ho lavorato tanti anni al Supperclub in Italia e ad Amsterdam perciò è tutta una cosa molto innata che nasce in ogni momento con l’esperienza. Nell’esperienza di 1931369_10153855906178750_4986017473819585516_npersona che affronta il palco, i grandi spazi dove comunque non si può sbagliare comunque molto formativo, mi metto in discussione come persona. Luciano Melchionna, che oltre che essere un grande regista è anche una persona che riesce a capire molto la sensibilità di ognuno di noi, sicuramente tocca dei tasti importanti per far uscire fuori i limiti e farli diventare dei pregi: in questo senso mi sento davvero una persona totale adesso, senza più barriere che partono da me verso il prossimo, verso il pubblico; mi sento una creatura legittima e legittimata a stare sul palco.”

Sono tanti anni che c’è Dignità: è cambiato il pubblico nella sua percezione, nella sua educazione nell’affrontare un artista così da vicino? Ieri sera una ragazza diceva : “come mai mi guardava così l’attrice? perché?”, parlando della tua performance. Il pubblico è più evoluto o ancora si stupisce?

“No, il pubblico secondo me era più educato negli anni ’70: il teatro aveva un ruolo più importante, adesso la televisione ha rovinato tutto e il pubblico va rieducato. Noi abbiamo un grande compito perché abbiamo l’appeal della seduzione del bordello, della prostituzione, che può essere apparentemente un grande specchietto per le allodole poi invece nelle stanzette li prendiamo “ a cazzotti”: sono delle esperienze umane e artistiche molto forti per loro. Perciò secondo me va educato in questo senso: sta a noi sedurlo per poi dire le cose.”


alcuni brani di Her

dal film “mater natura”


alcuni dei brani degli anni ’80 dei gruppi citati


questi altri li aggiungo io



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Erano anni che speravo di vedere “Dignità Autonome di Prostituzione”. Naturalmente impossibilitata dai miei impegni teatrali vincolati al territorio di mia 12342437_1038493162839759_2325476106540328987_ncompetenza, visto che Dignità in Veneto pare che non interessi, per motivi a me oscuri, ho sempre sperato in riprese napoletane almeno durante le feste natalizie, visto che tutte le edizioni passate e messe in scena nella mia adorata Napoli capitavano in periodi a me non confacenti. È mia abitudine partire per Napoli con in piedi almeno 3 trattative per interviste considerato che, fermandomi pochi giorni, tra voli spostati o cancellati, traffico natalizio, pasquale o pasquettale , impegni famigliari, gatti appresso ecc, statisticamente ne porto a casa una, o due se va bene. Questa volta sono partita senza niente, se non la “voglia di tuffarmi in un gomitolo di strade” (cit.) partenopee e fare il pieno di vitalità, positività e passionalità che SOLO questa città sa regalare, dato che avevo completamente spento il cervello per problemi personali. L’unico pensiero diventa arrivare in aeroporto e prendere l’ aereo per Napoli, perché mò bbasta. Ma contavo le ore proprio. Quindi mentre preparo valigie per umani e gatti, mi sono dimenticata di tutto, tranne che di salire su quell’aereo, che avrei raggiunto dopo un’ora di calvario con camionisti nevrastenici che clacsonavano e facevano il pelo in una nebbia che la tagliavi col black & deker tipo teste finte di Modigliani buttate nei fossi. Finchè non mi RENDO CONTO che al Bellini di magma_coverNapoli, un teatro che da parecchi anni sta facendo delle scelte editoriali e di comunicazione esemplari, da teatro inglese, è in scena Dignità Autonome di Prostituzione. In più c’è anche Her, nome d’arte di Erma Pia Castriota, artista straordinaria che seguo dai tempi in cui suonava con i Nidi d’Arac e che avevo conosciuto di persona alla Mostra del Cinema di Venezia, alla presentazione del magnifico film al quale aveva preso parte: “Mater Natura” di Massimo Andrei, con Enzo Moscato,mater natura Maria Pia Calzone, Vladimir Luxuria, Luca Ward, Gino Curcione e altri. Insomma Dignità non potevo perderlo, per nessun motivo: ormai ho maturato un’esperienza che mi permette di intuire da poche sfumature se uno spettacolo merita o meno e da quello che avevo visto e sentito negli anni, ero convinta che fosse uno spettacolo IMPERDIBILE e che sicuramente sarebbe valsa la pena parlarne con i protagonisti. Infatti. È come se fosse un doppio spettacolo, uno spettacolo nello spettacolo, uno spettacolo matrioska. C’è la parte frontale che procede per tutta la sera, con i musicisti che suonano, e attori “liberi” che, come delle entraîneuses,  intrattengono il pubblico sparso per la sala chiacchierando o ballando. Poi ci sono “le stanzette”, in questo caso luoghi del teatro vari, anche normalmente preclusi al pubblico, in cui si esibisce ogni attore, al quale viene dato come soprannome da prostituta un nome che attiri l’attenzione o lo stesso titolo del monologo che deve recitare davanti a poche persone. Lì si scatena veramente una magia. Certi nomi sono un vero e proprio McGuffin hitchockiano, un pretesto per parlare di qualcosa che apparentemente non c’entra nulla, suscitando nello spettatore un crescente effetto sorpresa. Non è nemmeno uno spettacolo, è davvero un format teatrale che mi piacerebbe vedere in luoghi completamente diversi da un teatro. Io l’ho visto per due sere di fila ( dà dipendenza, dovrebbero organizzare degli abbonamenti per più repliche) e ho assistito, in tutto, a 6 monologhi: “La dama del fiume”, interpretato da Her, scritto da Giovanna Pigneri e diretto da Luciano Melchionna, “Un’altra” interpretato da Carmen Pommella, “Lo Scugnizzo” da Luciano Giugliano, “Militar gay” da Sandro Stefanini, “La ritrattista” da Irene Grasso, “Il neomelodico” da Renato De Simone. Questi monologhi sono scritti e diretti dal geniale regista e drammaturgo Luciano Melchionna, che sono finalmente riuscita a intervistare.

Questo spettacolo si disloca in più ambienti, come avviene da qualche anno anche negli allestimenti delle opere liriche. Qual è la problematica Luciano_Melchionna by Luca Brunettidi un’orchestrazione in una mise en scène diffusa e differenziata con così tanti attori?

Luciano Melchionna: “Parlo piano perché siamo circondati da stanzette dove le mie prostitute la danno… la pillola di piacere teatrale! La vera problematica è l’anzianità di Papi, che sta invecchiando a vista d’occhio!”

Che sei tu.

“E certo! Perché ti rendi conto, orchestrare tutto questo, dando sempre più “cibi” al mio pubblico, sempre più prostitute, perché ogni volta aggiungo, chiamo, li cambio, faccio tutto un inizio nuovo. La problematica, che è la sfida che io amo di più, è quella di arrivare in uno spazio, innamorarmene o meno, quindi dare l’ok per farlo 1914374_1049733041715771_702033787190598488_ndiventare un bordello e cominciare ad utilizzare ogni anfratto, dal bagnetto, al sottoscala, agli uffici, ovunque io infilo queste prostitute e creo queste stanzette dove loro possono dare, parliamo seriamente, la loro arte. Provo tutti questi monologhi, siamo a 40 in questa edizione però sono più di 250 artisti che hanno ruotato e che stanno continuando a ruotare. È una sfida meravigliosa, sfinente ma meravigliosa perché mi piace tantissimo l’idea di utilizzare gli spazi così come sono: la storia che ha quello spazietto, più la storia che voglio raccontare io, più il vissuto dell’attore creano, potete immaginare, un insieme di emozioni fortissime.”

Quando parli di Dignità Autonome di Prostituzione dici sempre che questo spettacolo serve anche a creare un luogo protetto per gli artisti, che non sono abbastanza valorizzati e rispettati dal sistema.

“È esattamente questo il punto: con Elisabetta Cianchini, con la quale abbiamo avuto l’idea poi lo spettacolo è il mio da 8 anni che me lo scrivo, me lo dirigo e me li scelgo ecc, l’idea l’abbiamo avuta insieme proprio per una provocazione bonaria, se vuoi, perché credo nei piccoli gesti che facciano pensare e riflettere; la provocazione è stata proprio questa: ci siamo guardati intorno e abbiamo visto tanti artisti per strada e abbiamo voluto dire che meritano una casa chiusa, protetta, meritano sostegno.”

Ma un confronto così diretto e intimo con il pubblico, senza nessun tipo di protezione per l’attore, non lo espone a un faccia a faccia quasi violento con l’assenza totale di quarta parete? Io ieri ho visto 4 monologhi: la “Un’altra”, HER che faceva “La dama del fiume”, “Lo scugnizzo” e “Il 1914838_10208240255947196_623751054645293816_nmilitar gay”. A parte “La dama del fiume” che racconta una cosa di tanti anni fa e il “Militar gay” che è un po’ più generazionale, “lo Scugnizzo” racconta una storia che anche uno che non conosce i “3 giorni” può capire: ci si dimentica che noi pubblico ci stiamo confrontando con un testo, gli crediamo, piangono davvero! Non solo: viene voglia di fargli delle domande perché sembra proprio che stiano raccontando una storia propria.

“Quello che hai detto è esattamente il punto: la cosa meravigliosa che si scatena dentro le stanze. Quando tu mi dici: non sono esposti? Certo che sono molto più esposti però in questo modo anche il pubblico è più esposto, in qualche modo attivato. Io amo gli spettatori attivi, quando tu mi dici: vien voglia di fargli delle domande o di consolarlo o di asciugargli le lacrime…”

Sì! Eccome!

“È uno scambio meraviglioso che all’attore in realtà lo ricarica.”

Ma non è un po’ sadico nei confronti del pubblico?

“Ma io non credo, sai, perché il pubblico esce da quelle stanzette in lacrime, viene fuori, gioca con noi però è l’unico spettacolo, ne sono certo di questo, in cui vengono da me, da “Papi” Melchionna, e chiedono dov’è che possono piangere ancora. Vuol dire che hanno capito che il divertimento non è necessariamente la risata: il divertimento sono le emozioni, capiscono la potenza catartica. È anche questo il tentativo che ho messo in atto: vorrei che smettessimo di girare intorno ai problemi, che li guardassimo in faccia per uscire purificati, se vuoi, per poter pensare finalmente di rimboccarci le maniche, perché quello che mi preoccupa moltissimo è che ci raccontano e ci raccontiamo tante balle quindi non siamo pronti a rimboccarci le maniche.”

Ci sono varie reazioni del pubblico: chi va dietro al testo, chi appunto è travolto completamente da questi attori fantastici e chi invece magari è un po’ meno avvezzo a un teatro interattivo. Una ragazza ieri diceva : “perché 734928_1049743015048107_1821856324895329473_nl’attrice mi guardava così?”, quindi anche l’attore deve gestirsi questa cosa. È un po’ un problema forse?

“No, anzi, ti dirò di più: la persona che ha chiesto perché l’attrice la guardasse così è sicuramente la persona che alla fine, per assurdo, è stata la più toccata e più felice di questo. Per esperienza lo dico, non per presunzione: ci sono anche persone che sono esplose a piangere e persone che hanno avuto un black-out, mi sono preoccupato moltissimo in quel momento, il giorno dopo mi hanno scritto una mail ringraziandomi per tutta la vita perché era da una vita che non sbloccavano questi nodi. Questa è la funzione del teatro, io ci credo tantissimo in tutto questo. Il sadismo, poi, alla fine, fa parte un po’ del gioco, se vuoi: anche salire su una navicella spaziale ruotata a 50 metri di altezza, in fondo, non è una cosa sadica e masochista? Io per esempio sono terrorizzato, andrebbero chiusi i luna park!”

Non ci salire!

“L’ho fatto per capire se ero un fifone o ero convinto: sono convinto! La gente ha bisogno di essere strattonata e ha bisogno di guardare negli occhi. La mia poetica è proprio questa: gli occhi. Ho scritto delle sigle di Dignità che si chiama “Occhi dentro gli occhi” ed è proprio dentro gli occhi che leggo le storie che poi racconto.”

Trattando dei temi importantissimi o di cronaca nera, scritti in un modo che veramente sospendi il giudizio. Per esempio “La dama del fiume”: sento due versioni diverse dello stesso evento così ho più elementi per giudicare e più ne senti meno riesci a giudicare. Esporre questi temi in maniera così diretta, così profonda e penetrante, a un pubblico così ristretto: di solito si dice che è meglio parlare a tanti, così sensibilizziamo. Perché vuoi sensibilizzare pochi invece che parlare a tanti?

“Mah, guarda, in realtà io credo tantissimo in quella mancanza di quarta parete, credo moltissimo nella vicinanza perché, come hai detto tu poco fa, gli attori sono incredibili, gli credi e sono delle storie vere. Sul palcoscenico la recitazione ha altri stilemi, altri canoni, è una recitazione teatrale e basta, quindi per assurdo se il mio attore, su un palcoscenico così a distanza, piangesse davvero, il pubblico lo sentirebbe finto, è una roba incredibile, mentre da vicino la recitazione che io vado ad attivare e sulla quale lavoro in questo spettacolo è un po’ una summa di tutte le mie esperienze. Io ho fatto sia teatro che cinema, mi piace da morire l’idea di usare determinati codici che sono teatrali perché il “cliente” dentro la stanza diventa spettatore. Non amo giocare sull’imbarazzo dello spettatore: lo spettatore deve fare lo spettatore e l’attore ritorna attore, però aggiungo un lavoro, sulla recitazione, cinematografico. Questo strano connubio, questo equilibrio difficilissimo, quando avviene, scatena delle emozioni e delle riflessioni molto molto forti.”

Nelle pilloline di teatro che ho visto io, l’omosessualità viene raccontata come un macigno-meccanismo, 12468210_10207971240229215_1370241114_nmostruoso, angosciante, che sovrasta le persone e le mastica, anche se queste persone vivono liberamente la loro omosessualità, penso a “Lo scugnizzo”: sono comunque vittime di convenzioni e dettami sociali che li spingono ad autocolpevolizzarsi, ad autocensurarsi, nonostante vivano una condizione di libertà.

“Mi piace la domanda che mi fai, mi sono interrogato a riguardo: io sono molto stanco, essendo omosessuale, di pensare all’omosessualità, alla diversità, anche solo di parlarne; sono stato di recente in giuria all’ Omovies, festival LGBT qui di Napoli, anche lì mi ha fatto molto strano dover parlare ancora di diversità eppure, credimi, è fondamentale: questo macigno non è, in realtà, un macigno che ha l’individuo.”

No, glielo creano gli altri

“Ed è ancora tanto così! Io ho fatto un film nel 2005, che si chiama “Gas”, che parla di omosessualità ma ne parla in un modo molto particolare, molto diverso: diciamo che l’omosessuale diventa cattivo come gli altri e fa qualcosa di terribile. Mi hanno detto che non può gasessere così, che ormai è cambiato: non è vero! Questa è un’altra balla che ci raccontiamo, signori! Esiste ancora molto forte l’omofobia, lo sappiamo tutti, siamo ancora in pericolo. Certo, abbiamo raggiunto un livello di libertà ( sia le donne, che gli omosessuali, che i “diversi”) meraviglioso ma è ancora troppo, troppo pericoloso e ancora tanta gente si diverte goliardicamente dentro quelle stanzette magari a ridere e scherzare. Io ci vado giù pesante perché entrano ridacchiando ed escono pensando che forse è proprio cretino stare lì e ridacchiare, che forse bisogna prendere un po’ in mano la situazione e le proprie coscienze.”

Infatti non si parla solo di omosessualità ma anche di donne sacrificate ai propri figli, aspettative, donne che forse li hanno anche uccisi i propri figli: le persone tornano a vedere questo spettacolo perché vogliono sentire altre storie; è una sensazione che abbiamo avuto anche noi.

“Tornano anche 15 volte di seguito.”

Ma si riesce ad avere una diffusione di questi temi? Forse col passaparola?

“Sì, bravissima. La cosa meravigliosa di questo spettacolo, ti ripeto non per presunzione ma perché lo vedo e lo vivo e ormai siamo entrati nel 9° anno, non è solo l’interazione tra gli attori e i “clienti”, ma l’interazione TRA i clienti: gli spettatori cominciano a parlare tra di loro, si raccontano, cominciano a dirsi: “vai a vedere quello”, “ho visto quello”, “mi è successo questo”, “ho sentito questo, tu cosa hai sentito?”. Cosa c’è di più bello? Dal primo giorno di repliche mi sono emozionato di fronte a tanta vitalità e tanto fermento. Basta raccontarci che il teatro sia punitivo! Là sopra noi incastrati nelle poltroncine, muti, in silenzio! Bisogna cominciare a ridare quell’energia, quel fermento, quella spettacolarità, quella magia, quella possibilità di raccontare delle storie e di far riflettere la gente, perché quando io vado a teatro, poi, spesso, torno a casa triste e svuotato. Io invece voglio che i miei spettatori si riempiano, perché restano tutti e alla fine c’è la festa della vita.”

Ecco, volevo chiederti: come mai un finale divertente, in 1919568_1049733461715729_171589745962570891_nleggerezza dopo questi temi tanto importanti e di cronaca nera? Sembra quasi un altro spettacolo!

“ Sei attenta! È un piacere averti come cliente-spettatrice! Quella è una scelta precisa, prima perché io inizio sempre da uno sguardo a quel che accade intorno a noi. L’inizio dello spettacolo ha sempre un significato preciso, per me anche forte. Avrai capito che questo inizio, per esempio, con questa meraviglia “A nnomme ‘e Dio” , una canzone meravigliosa e poco conosciuta di Enzo Avitabile di cui mi sono 1915928_1049743755048033_2667193218891671752_ninnamorato ascoltandola per caso su Youtube, piangendo; quando provo brivido o piango o rido o provo emozioni devo assolutamente tradurlo in spettacolo. Quindi all’inizio lancio dei segnali, il mio sguardo sulla realtà, dopodiché si entra nelle stanze si prendono, metaforicamente ovviamente, schiaffi, pugni e sberle. Si esce fuori e c’è sempre qualcuno che ti intrattiene, c’è sempre musica è sempre “coccolante”, se vuoi. Dopo tanto, come un po’nella vita, c’è sempre l’attimino in cui c’è felicità, in cui ci si fa una carezza, ci vuole. Soprattutto ci vuole anche l’altro mio sguardo, che esce fuori dalla mia lucidità nel guardare la realtà. Mi costa fatica, eh: parlare di verità e farlo in modo così vero è faticosissimo, ha i suoi contro, come dire, però ti regala la possibilità di apprezzare la vita. Questo io dico in questo finale: viva la vita!”

Questa drammaturgia è diversa da altri tipi di interattività: io ho fatto l’ “Edipo re” del Teatro del Lemming , per un solo spettatore bendato; si è protetti, chiaramente. Qui è già più gestibile per lo spettatore, poi adesso va di moda il teatro in casa: ci sono delle forme che avvicinano lo spettatore all’attore. Pensi di spingerti oltre oppure pensi di mantenere così?

“Tu hai visto 4 performance e lo vedi al 9° anno, io sono passato attraverso di tutto, anche la stanza sensoriale, dove venivano bendati uno o due spettatori e venivano agiti, cioè mossi nello spazio senza sapere assolutamente nulla, mossi dai sensi; così come ho fatto delle cose molto più forti e violente, se vuoi, sempre non a rischio. Io non faccio questo spettacolo per osare, lo faccio perché me lo detta il cuore e da un regista e autore tacciato di “regista sperimentale” queste parole suonano di una retorica e di una banalità tremende: ben venga la banalità quando è verità. Invento queste stanze che possono essere terribilmente inquietanti o rassicuranti solo ed esclusivamente perché dettate da un’esigenza e un sentire fortissimo.”

Lo spettacolo lo hai portato anche all’estero e in Nord Italia. Quali sono i filtri culturali che ti hanno permesso di capire che il pubblico magari aveva dei blocchi su certe cose, un altro pubblico magari sullo stesso testo delle reazioni diverse che magari ti hanno portato a fare dei cambiamenti o adattarlo per un tipo di pubblico piuttosto che un altro?

“Incredibile ma vero, questo codice, questa cifra, questo spettacolo ha funzionato nello stesso identico modo,ovviamente con qualche resistenza iniziale in più o in meno, sia qui, che più giù in Puglia, che nell’alta Italia a Torino o Milano, che a Tarragona. Il pubblico ha la stessa reazione: uno smarrimento iniziale che dura qualche minuto dopodiché si lanciano felici di piangere, di correre, ridere, conoscersi, riconoscersi, chiacchierare, giocare, essere accolti e trovare sempre qualcuno che in qualche modo ti chieda come stai, perché non ci guardiamo più negli occhi e non ci chiediamo come stiamo. C’è un pezzo che faceva Antonella Elia, lo ha fatto anche Paola Barale, due nomi che non ho ghettizzato, Dignità non ha bisogno di nomi, se vengono e hanno un’anima così speciale e mi chiedono di partecipare, fanno il provino, hanno la stessa paga di tutti gli altri, fanno lo stesso excursus, la gavetta da “maîtresse” a “prostitute” e aggiungono il loro valore. In questo testo io racconto di quanto una carezza, un gesto, una parola detta a uno sconosciuto anche in ospedale dove c’è un uomo che piange perché la mamma è andata dentro e non sa se la rivedrà, può essere scambiato per qualcos’altro, per un’invasione del proprio territorio. Io avevo un nonno meraviglioso che tutte le mattine si preparava perfettamente, scendeva e andava a salutare tutti dentro ai negozi. Io questa cosa ce l’ho e la faccio in ogni quartiere dove vado a vivere. Sono stato abbastanza in giro, ovunque mi piace ricrearmi quell’atmosfera e scappo dai luoghi dove sono tutti troppo incattiviti.”

Ci sono alcuni richiami all’Espressionismo.10171819_1049735435048865_5567961199106689697_n

“L’espressionismo è una cifra che mi si riconosce sempre e mi ci riconosco pure io.”

C’è “Cabaret” di Bob Fosse e poi la marcia degli artisti che reclamano dignità.


“Quella è scritta da me e HER. anche la canzone “Non ricordo”, ci tengo, quella di Momo, l’abbiamo scritta io e Momo, dedicata ai malati di Alzheimer.”

I costumi sono completamente lisi e “mangiati”.

“Meravigliosa costumista mia, Milla.”

Trucco sfatto: li fai quasi sembrare dei fantasmi gotici.580391_1049733258382416_1313760364556977389_n

“Io amo le tue osservazioni, le amo! Esattamente quello!”

Poi dal punto di vista musicale c’è musica delle radici con reinterpretazioni contemporanee.

“Non troppo contemporanee: non vengo mai troppo nel presente altrimenti diventa un jukebox e sinceramente non me ne può fregà de meno.”

Ci sono classici italiani e non solo: c’è un’atmosfera unica. Secondo te, un teatro con un’idea come questa, può far germinare un nuovo genere?

“Mah, ti dirò, sono diversi anni che si dice che Dignità Autonome di Prostituzione ha cambiato e sta cambiando il teatro. Ti dico delle cose che non ho mai detto: tempo fa, stavo con degli amici, mi ha fermato un cartomante per strada, io gli dicevo che non ci credevo e che era inutile, lui ha voluto a tutti i costi, è stata una cosa veramente surreale, mi ha guardato le carte, ha indovinato che facevo spettacolo e la cosa straordinaria è che mi ha detto, qualche anno fa: “Tu cambierai le sorti del teatro e dello spettacolo.” Quando ho sentito dire questo di Dignità mi sono ricordato di quell’uomo e mi son detto che allora il paranormale esiste! Io ne vado ovviamente molto fiero però fondamentalmente, ripeto, non era questa la mia intenzione e non è mia intenzione fare effetti speciali. La mia intenzione è raccontare la vita attraverso questo privilegio meraviglioso che ho del teatro e del cinema, a modo mio.”tecla silvestrini

Che poi sono tantissimi: i ragazzi, le realtà, più sono e più fanno sistema, poi di tutte le età, hai avuto anche attori anziani.

“Sì, ho avuto anche attori di 70 anni: ho perso Tecla Silvestrini, una delle più grandi attrici italiane, non valorizzate dall’Italia ma, credetemi, una delle più grandi ed è un duro colpo la sua scomparsa.”

alcune delle canzoni, tutte eseguite dal vivo,  che si possono sentire nello spettacolo, tra cui anche “Non ricordo” citata nell’intervista e dedicata ai malati di Alzheimer

 “A nnomme ‘e Dio”, la canzone di Enzo Avitabile che apre lo spettacolo

 Momo esegue “la spazzatura”  al Premio Tenco con Her

“Mein Herr” da Cabaret di Bob Fosse ( musiche di John Kander)

“Cos’è” da “Nightmare before Christmas” di Tim Burton, nella versione italiana cantata da Renato Zero, musiche di Danny Elfman ( storico score composer  di Tim Burton che, tra tante cose, è anche autore della sigla dei Simpson e di Desperate housewives)

 il tema di Amarcord di Fellini scritto da Nino Rota

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i’m there



hi everyone


wellcome  if  you’ve never been here,  welcome back  if you’re  someone of  the  few  that  read  me.


as you can  see  this  blog  has been  still for more than one  year. i’ve been in a  deep  crisis because  in Italy NOBODY care about  these subjects, neither  those  who are directly involved:  artists,  foundations, tour manager, publicists, press agency and  so on…

artists and directors  all thank you because of the beautiful questions  you do to them , but  then they write to you only  if  they don’t like  something  you  have  written.


in the meanwhile i was wondering  wich was  the sens of writing about performing arts in 3 language, i had 2 bereavement in  my family.


since peforming arts and culture in general are something  VERY IMPORTANT for me, despite all the artists, directors, managers, pubblicists, press agents, and  all the coach  of  the company following, i decided that  maybe it’s better  to go on without  thinking that this, inthis country, can still be considered as  a work  (since being  journalist, in italy, for most of us is no more a work, and  culture journalism is something that doesn’t interest to   anyone) i’ll go on,  i was saying, despite everyone, writing about what i like  most, going on  sending my articles and posts around.  and if all the coach of the company is still concerned  in what they care most ( filling the theatres) without thinking that, for instance,  using social nets and sharing  comments and debate  with people is CRUCIAL, each time  they will complain that people in Italy is not interested  in culture ( and politicians most of everyone), well, I will always  able  to reply that is THEIR  FAULT.


and to cool down my rage, let me tell you that i opened another blog, with friends and relatives , it’s about culture and travels (or better, voyages), food, shopping, history and much mores. there are not any content yet  but  is online already. it’s called ormisis  and i look forward to fill it  with all the ideas and videos and interesting things  we are preparing.


i won’t care  about all those  who say that i’m a wonderful journalist without helping me in giving me   a better  way  to  improve my  job. I’ll go  on by myself for all those  who really think that these are important things and that culture is the ONLY weapon to survive.

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Beyond Salvatore Conte: GOMORRAH-the series STAR MARCO PALVETTI talks about acting on stage and more

palvetti bianco e nero

Marco Palvetti is a young drama and movie actor who plays an important role in Italian tv series Gomorra. The first season of the series has been aired this year in Italy on pay tv Sky Atkantic network and in foreign countries like Uk, Germany, Spain and it has been now sold in more than 100 countires. Palvetti’s character is named Salvatore Conte and is the icy-cold main opponent of boss Pietro Savastano. Palvetti is now on tour on stage with a comedy with 2 other famous Italian actors, Lella Costa and Paolo Calabresi, in a piece titled “Nuda proprietà” a legal term that means something  like “bare estate” and it’s referred to a kind of a trade of real estate where someone buys a house but has no usufruct on it until the lodger has died. In “Nuda proprietà” a lady sells the house she lives in with this method, but at the same times she

Marco-Palvetti-Lella-Costa-e-Paolo-Calabresisublets a room to a doctor she  falls in love  with. Palvetti plays the role of the estate agent Marra who buys real estate in “bare estate” method to sell to an Arabic company. This young actor is surely talented and very versatile both in comedies and drama plays and movies, he offers strong and fascinating performances where he really gives shapes to characters.  

It is a purely female point of view where she has to deal with the passing years and with the disease of him. How do you see this piece from the male point of view?

Marco Palvetti: “Recently I read” Kreutzer Sonata “and you realize that there iskreutzer-sonata-775629819 a male point of view but it is not true because it is still a general and sexless point of view in my opinion. It has to do with time and love and with love as lived in this time. Mainly it talks about time here and I think that the scan of the time and  scenes can give back exactly this “.

Nowadays we talk a lot about house: in this piece, however, it seems to come out that the problem is not the real estate the title of this play is referred to, but what’s inside: affections, even that of a single person. She looks like she’s on her own then we understand that she’s supposed to have children because we see she has a granddaughter. Actually is the money that Marra gives her that makes her feel relieved because she still takes for granted she won’t receive any help, so the house is life.

MP: “It’s life but not only, clearly. It is also a way to challenge this society: there is a problem, and this problem is both experienced by ” bigs ” and ” leasts ” including a young girl who finds herself homeless and a boy who finds himself to buy “bare estates” and sell them to the Arabs. It is clear that there is an unease so, yes  home as life, home as a commodity to live better. “Nuda Proprietà (2013-2014) 3

It also plays on the social bias, there is a line where she tells that he’s certainly a colluded because of his face. It can be definitely funny for northerners but how can this line can be experienced in South  BEFORE  the character of Salvatore Conte? Since we see you smartly dressed as him I guess that those who have seen the series say that Marra is a murderer because they actually see Conte.

MP: “Actually this play has been staged before the series was aired.”

That’s right, but how did people react in South?

MP: “We didn’t got to South during the last tour. I don’t live overshadowed by conte-web3_5346485d77735Conte although the audience can experience it but then is the actor that has to go toward other directions. They are two very different characters, this one is a good, basically. ”

There’s a sharp line where he says: “I’ll never loanshark.”

”  “Never “, then he’s not a villain, he lives in captivity: this generation of young people who are forced to deal with something that doesn’t belong to them, problems that come from earlier, but they have to react in some way and then go forward. In the South how could people take this stuff … ”

There is a lot of sensitivity about .

MP: “Yes, but I think that audience is very smart and sovereign, because is always right. I think audience is also careful to get the features in that case and play also, because if you play with the bias maybe you  can set it aside, exorcise it in some way, perhaps, even because by now we are all in the same boat … “.

The content of this piece is about lonely people who have to survive, the house, the estimate of this house: current events and entertainment. What Calabresi does in tv show “Le Iene” is information and report with another form of entertainment. Gomorrah also topical, taken from court documents, another form of entertainment. Tonight the theatre was sold out, the play is very successful, Le Iene have been going on with this format since many1Nuda1 years, Gomorrah huge success. Are forms of entertainment that attract the audience or is the content?

MP: “I believe they are the contents: the needs that you stage in front of the camera or on TV, like the work that Le Iene do and whatnot. But we must get away from entertainment almost as an offense to the audience: the audience entertained with no contents is basically a sad audience, that  sees no responsibility for what is done, is an audience that unconsciously doesn’t accept what it sees, maybe can applaud, stand there and be accompanied while cooking or while eating, however, is an addicted audience. So “entertainment” in my opinion is not the right word, we have to reconsider everything in order to define this as entertainment. You mentioned three quality products very different among them that have important contents, this is what we need today, especially to take responsibility towards young people who don’t know what this job is. ”

That’s it: thirty years from Eduardo De Filippo’s death, “Inner voci_dentro_1c2090_cvoices” with the Servillos was staged and aired live with tv direction by Sorrentino. The online newspaper Fanpage went around centre streets in Naples asking if people remembered the thirtieth anniversary. They showed four or five youngs who didn’t  know who Eduardo was, the journalist prompted them a bit and they said “Eduardo De Filippi relative of Maria De Filippi” ( Italian tv presenter EDDnote). If this is in a city ethnicly and eduardo_de_filippoculturally self assured and referred, where myths, roots and strong cultural personalities are still alive because records are available, then what does it happen in the rest of Italy? Why these cultural emptiness and what the elements that are lost? Why youngs are not interested although they have all in front of them? The reporter said: “Now apologize to Fanpage’s readers because you don’t know who Eduardo is.” And then: “Come and receive forgivness(a very famous line played by Marco Palvetti  as Salvatore Conte in Gomorrah the series- EDDnote), and everyone knew the quote even if maybe they didn’t see the series, blogdicultura_dc2551bcf8c0f7e398071c5faae85ac5because maybe they saw the parody.

MP: “It’s good that there is an evolution of language and of what we see, then “Come and receive forgivness” as a quality that Gomorrah gives, may be something that is plugged into the system. I absolutely don’t want to talk about the parody. The problem is that there is a generational gap that can be filled  up and can become the force. Let me explain: before me there are generations, we talk about the age of 50, or 60 who may have experienced important and full eras and so on, but what happens then? That to support a certain standard of living they are almost forced to do this work just for the hell of it. I won’t say any example because then everyone do what they do with all their heart. The problem is responsibility. Unfortunately, and fortunately, our work is incidental to responsibility: we are under the La bottega del caffè - Marco Palvetti - (2010-2011) 2headlights, people look at us and listen to us, pay a ticket, sometimes expensive, to enter. Behind, there are guys who maybe don’t know who is De Filippo and a thousand of other things, and we, I’m 26 years old, along with other generations, we can be the bridge to bring to young people things that obviously can evolve and become something else. Or we can also just give a damn with it. However, we are aware that when we’ll get to 60-70 years we turn back and my fear, the greatest responsibility that I feel, is that I’d never want to see that maybe my job doesn’t exist anymore, maybe I’ve spent a lifetime in doing something with all my heart but then it’s gone. This makes me a little sad, but I turn it into a constructive anger. The comparison with the young must take place. ”

Could it be that in the world they live in, Eduardo is no more “readable”?

M.P .: “No, Eduardo is always readable. I think he’s still the greatest Italian playwright in my opinion. Last year or two years ago it was the anniversary ofviviani1 Viviani “.

They don’t talk about him that much.

“They maybe talk less about him but he’s history. We must take responsibility for this work, grab it, and above all, this is the important thing, trying to remove the ones who have no love for this work, bluntly, move them over because ours is an environment that cannot be easily caught, where if someone that is “upstairs” decides that things should go like that, then they go like that, so the audience gets used to that, and the amount and the image take priority over quality. We have to be bearers of that quality and put the audience in a position of not being able to stay without it any longer. ”

Do you feel the problem of an audience that may not understand or that has to be educated or some misunderstanding between the actor and the audience? The fact that maybe people see you as Conte?

MP: “The audience already knows me, I mean, you can see me: I’m not like that. So that means that there’s a job.”

In Gomorrah you are all lightened in a way that you are completelyGomorra-episodio-10-Conte different from the way you actually look  like, in the series it’s like you all look like you are “monsters”, because of this gloomy leaden  photography.

MP: “This should be the normality, the major product, one should not be “frighten” but just say:”oh, at last!”. We must accustom the audience, you can see the ones who do this work honestly, the work pays off, and fortune favors the bold: if the brave are those who work, luck pays off too “.


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Marco D’Amore is an italian actor that played one of the main roles in “Gomorra the series” tv drama based on famous book by Roberto Saviano that talks about camorra. D’Amore is also a drama actor and he has worked on stage with Toni Servillo and in some movies such as “Perez” with Luca 176af00fa5Zingaretti, actor of the series “Inspector Montalbano”. His character in Gomorra- the series is named Ciro Di Marzio and it has been compared to Iago, well known “villain” from shakespearian “The tragedy of Othello, the Moor of Venice”even though the differences  between the two works are many, for example in this case the events don’t take place in Venice and Greece but in Naples and Spain. There are some others resemblances with Shakespeare, for instance the female leading role of Donna Imma ( Lady Imma) played by actress Maria Pia Calzone has been paralleled to Lady Macbeth. I’ve talked with Marco D’Amore aboutdonnanna2 all of this and certainly about theatre and Naples, a marvelous city that is considered a living character.


The dramaturgy of “Gomorrah” has been compared to the texts of Shakespeare, Donna Imma to Lady Macbeth, Iago definitely looks like Ciro. One thing that is definitely very similar to Shakespeare is that good and evil are equal, we have also seen in “Perez” execrable and ennobling actions are made by the same character. The thing that differentiates Gomorrah by macpolanski5Shakespeare is the motivation of the characters, in my opinion: Lady Macbeth is driven by ambition and incites her husband to direct action, while Donna Imma is indipendent, she is conscious that she must remain clear headed, otherwise she loses control on the situation. She’s sure of her status because her ambition is Othello_Iago-BBCTL81already expressed, she is already at the top. Ciro, on his side, is not moved by ambition, because there is no Cassius who took his place, but by the will for avenge his friend Attilio, although he plays insidious and destructive dynamics the same way Iago does.”

Marco D’Amore: “Let me tell you that back when no one could imagine, I take the right to say that, I did in first person the quote about Iago thinking about my character: I said that this was a vertigo, as it very often happens when you work on a character who is still epic and has a very complex structure by its nature. So in addition to doing research in the real and in fact, to me personally, since my training is definitely theatrical, I very often think about the characters from theatrical literature I’m particularly related to. I compared these two characters, Ciro Di Marzio and Iago, because they are both military, are men of fire: Iago has defined a knight and similarly Ciro Di Marzio is a knight of Pietro. What intrigued me was the psychological component of the two because compared to the role that covered  it was obvious how much the quality of the character was much higher. Compared to the character of Imma I think there is an analogy with gomorra-serie-genny-326959Lady Macbeth because both, on the logic of power, they defend a core that is crucial, that of the family: I don’t think Imma is simply moved by a desire of safeguard, Imma defends a power assumed which is the one of her family. In the same way Lady Macbeth, then with different drifts,  takes on the decision-making power when she feels  her husband weakness and she must protect her herd, which is small and reduced to herself and her husband, the same way the unit of Imma …” 

It is also a feud, if you will.

M.D’A .: “It is, absolutely. I think there is obviously a distinction because there is an epic of the characters and the story that refers to humanity, here there is more urban condition; But if we don’t  do such a sharp a distinction between good and evil, between reality and epic, a much broader description of humanity can also be found in this story and in these characters.”

One thing that unites Gomorrah to classical theater is the apparent absence of choice: it seems like these  characters’ path is already drawn. Yet we see that, as we said, that they are aware of what is right, what is harmful, dishonourable. Being aware of that, they are somehow able to make a choice, and yet killing is  normal, steal and bag-snatch is nothing important. But it’s like if fate was already decided whatever they do. Here there are no gods: who decides?

“M.D’A .: “There’s a shining divinity and much less high-in emotional and sentimental terms – and much more concrete, that are money. From my point of view, one cannot look at these characters and these events unless in a logic of power. Just power. It is not true that there are no feelings, they exist. It is not true that there are no relationships, there are but they are all always bend the logic of power, absolutely. This is the god of Gomorrah. ”

I’ll give you the same question I asked Marco Palvetti: thirty years of Eduardo, “The inner voices” live with Servillos and Sorrentino as tv director: dedicated ahstag in top trend on Twitter, incredible voci_dentro_1c2090_csuccess. On the other side, maybe you’ve seen, there’s a video of Fanpage online newspaper: they went to the street in Naples …

M.D’A. “I saw it.”

That’s it, then: “Eduardo who? relative of Maria De Filippi??” (Italian tv presenter EDD-note). Young people were just  4 or 5 of them but it’s enough and when the reporter says: “well now you apologize with the Fanpage’s readers since you don’t know who blogdicultura_dc2551bcf8c0f7e398071c5faae85ac5Eduardo is” and then he said:”Come and receive forgiveness (a very famous line played by Marco Palvetti as Salvatore Conte in “Gomorrah the series” EDD-note), they understood the reference. Problem No. 1: why there are audiences who are completely unaware of cultural things that are directly connected to them? Second problem: is there De Filippo Eduardosomething that culturally doesn’t find any basis to take root and it must be somehow modified, modernized and, if needed, also depleted or lightened?

M.D’A .: “About the service I’ll tell you two things: first, it’s clear that there must be some “salt and pepper” to make a good service and that the construction in some way reflects the reality but that it’s ad hoc edited, of course … ”

Clear: they don’t show the ones who … but those four or five guys who do not know …

M.D’A .: “Indeed. Memory is a value, when nurtured, handed down and and taught. Eduardo De Filippo, in the mid 70s early 80s, did a masterful procedure, recording in full for tv broadcast all the comedies of “La cantata teatro eduardo de filippo youtube canale ufficialedei giorni pari” and “La cantata dei giorni dispari”. That had been the project of a forward looking man of learning that had realized that audience involvement in theater was getting lost. That was a very specific  action to act on reality and to ensure that people didn’t forget. I remember, when I was a child, I watched lots of Eduardo comedies on TV: it’s 15 years I’ve not been seen them aired. Similarly I remember I watched on mainstream tv, in prime time, some of the best movies Italian motion-picture industry has ever produced. Nowadays it’is difficult for a guy of my same age or younger  to enjoy on TV, in prime time, on mainstream TV, a film with Volonté or films of Italian cinema of the 70s, from Petri to Germi to many other things, such as the great American cinema. The problem is that, in my opinion: this is a definite cultural orientation that does nothing but impoverish the memory wich dissipates over time and impoverish the cultural knowledge of those who watch and observe; it’s clear that there are things that have no more space and this is a pity. ”

Theater and media: a question that I often do to anyone involved Amadeusin theater. You probably know about the  experiment Daniele Timpano did with “Aldo Morto 54”, for instance. Or “inner voices” live on tv. Tennesee Williams, or Peter Shaffer –I wrote about his “Amadeus” lately- who also won an Oscar, or Yasmina Reza with Polansky and so on. Must theatre only be “here and now” or it can be a text which can also be translated into cinema and television? Shakespeare, Marlowe, if they had motion picture they Marco_D_Amore_ne_L_Acquario3-681x1024would have used it for sure.

M.D’A .: “Definetely. But I think we need to make a big distinction: the theater as it is it’s above all a biological experience and by biological I mean that the same day at the same time in the same place, a number of people are sharing the air, the smells, sweat and spits and consciously decides to join in a fiction and accept that that for two hours that thing is the true reality. So this is the theatrical experience. Then there may be transpositions and drifts, both with the texts that the theatrical drama has given or about the possibility of telling the theater through films, you have mentioned some very high quality examples: last year  Romanindir-1 Polanski’s movie “Venus in fur ” came out, a movie that I loved so much and it’s the second experiment of theatre transposition ,after Carnage, that Polanski does, made through the filter of a great master of cinema that is also able to tell a theatrical experience through the screen.”

The city of Naples expressed in the fictional depiction of Gomorrah: the city as a character, a character wich is often misrepresented because it’s easy to  fall into the misunderstanding Di Leva Pantaleo _DSC0296 interpretation of a trashy folklore. In Mario Gelardi’s “Gomorrah –stage version” everything takes place in a metal scaffolding  as those of construction site, in the movie we see the suburbs: all this gives an international feature to the context. What characterizes both Mario Gelardi’s Gomorrah, yours, or Matteo Garrone’s movie is the gomorra-garronelanguage, because it seems like it could be Caracas or Berlin. You have heard some controversy, like school trips cancelled …

M.D’A .: “But those are jokes! What trips cancelled !? ”

But many people think that in Naples they really live like that. Why the audience who doesn’t know Naples has identified a city that hasshutterstock_20530190_Veduta_Napoli the largest historical center of Europe just with a suburban neighborhood?

M.D’A .: “Well, I think that just hearing the voices and staying comfortably at home thinking to live a quiet life and while problems are elsewhere is very convenient . In this sense Naples is ALWAYS very useful for the rest of Italy because it seems a bit like Naples is jumble of al the problems of this Country galleria umbertoand that  elsewhere life is good: it is not like that. Then, I repeat once again: it is IMPOSSIBLE telling naples and certainly is not the intent of this series, because Naples is a kaleidoscope of experiences, ideas, emotions. This series, as well as the film and the piece staged  by Mario, rather than the language, rather than the setting, have in common the book by Roberto. The book by Roberto is a book that investigates the criminal organizations from the inside, so inevitably there’s a comparison among the three projects, but there is absolutely no claim to tell gomorraNaples. On the contrary, there’s the intent to demonise what makes Naples a place that could give much more and instead has many limitations. ”

Let’s go back to the language: it was discussed a lot, also about the work Di Vaio has done trying to create a new standard of Neapolitan, let’s say it’s a slightly simplified Neapolitan, not the language you can hear in the streets, which is very difficult. Aside the fact that there were some translation mistakes: there’s a scene where you say: “Stamm pazziann?” gomorra-serie-ciro(kidding, joking EDD-note) and is translated as “are we getting crazy” …

M.D’A .: “Eheh, ok, it can slip out …”

There were some “Italianization”: there is another scene in which you say something like “‘amm entrà” I would say “‘ amm trasi”. This, however, reflects the reality because there is a real impoverishment of the Neapolitan language that is still full of figures of speech. There are more events: on one hand there are older people who still speak a rich Neapolitan, young people italianize and on the other side is a very poetic and difficult use of the Neapolitan in music. I took the song by Lucariello and ‘Nntò (closing credit song EDD-note) and have it not translated it but paraphrased: it’s a really difficult Neapolitan, full of metaphors. As part of the protection of Neapolitan Language that has just been ratified by UNESCO, do you think that Neapolitan hip hop can be a base for preservation?

M.D’A .: “About Neapolitan language we must make one consideration: Neapolitan language has been expressed before in songs and poetry and after teatro_bellini_08that it became a popular language. That’s the way it has established. If in this Country we want to talk about LANGUAGES of theater, I think historically there are two:  Neapolitan and Venetian, which have been translated in plays, I am referring Goldoni’s experiences  the Venetian and those up to the 70s and 80s for the production of Eduardo. About Gomorrah I do ratify a worth to SKY who has ran the risk for a commercial product, aired on national prime time, with a difficult language to understand. It’s clear that is a watered down language because, first of all, it’s difficult to talk about Neapolitan dialect, since there are many: there’s a dialect of the Spanish Neighborhoods, the one of  Vomero neighborhood, that of the Vesuvian towns … ”

… Yes, it sometimes changes from district to district.

M.D’A .: “It does. We have tried to create a language that sounded and that was plausibly in those characters mouths, then obviously the language changes, there is an increasingly widespread unknowledge about what the actual Neapolitan dialect is. However, since you have mentioned the song, about the theater it occurs to me to name Mimmo Borrelli, who does a very personal borrellipath about the language that in my opinion is truly fascinating and wonderful; he comes from the towns around Vesuvius. Until the ’70s and ’80s there was a production by Moscato, wonderful and just as charming about the language. So I think that Naples is still in development but always tends to preserve this lexical root that I wish will never be lost. ”

Back on Shakespeare, the great genius of paradox: as we see both in Gomorrah and “Perez” ( movie played by Marco D’Amore with Luca Zingaretti, AKA Inspector Montalbano) the characters are both repulsive but also very attractive because they have a lot of money, they gush over their women with gifts and diamonds, armed guards. In their paradoxical essence, if they were not played in Neapolitan, which “actorial device” u would you have to use to make them equally insightful and penetrating?

M.D’A .: “Oh look, I frankly tell you that it would have been difficult because the luck for some actors that have such a strong background on language, is that with talian you already make a path of fiction. Let me explain: for me Neapolitan is the language of thought, I think in Neapolitan, so if I play in Neapolitan I don’t put any kind of filter to language. It would have been the-wireimpossible: if you look, for example, “The Wire”, which is a great series that Gomorrah was compared to, the used language is that of the suburbs, Bronx, the one of the neighborhood, which is totally different from everyday slang . In this  way  you can get across a truth. Conversely it would really be very difficult. ”

The cultural lens through various countries have read Gomorrah: clearly the first that made reference to Shakespeare where the Anglosaxons because of Elizabethan theater …

M.D’A .: “No! the first who referred to Shakespear has been me! Long before Gomorrah, everybody took this thing and did headlines! I told it because nobody did! Give me this credit!” ( in Neapolitan EDD-note)

So let’s officially write that you said that and the British have gone after you!

M.D’A .: “Ok! Haha! ”

What other cultural lenses other people have read the work through, like the Germans or the Spanish?

M.D’A .: “First of all, what comes to us from other countries is a confirmation of the fact that this series has raised much attention about Italian products: everyone toasted to a Renaissance because they did not expect that in Italy we could produce such a thing. Beyond content, the first thing that came as an impact was the quality and by quality I mean writing, direction, photography,gomorra la serie esposito d amore acting. Then it is obvious that every community has to deal with a product compared to  what it lives and what it decides to tell about itself: I can tell you that I had the chance to meet for an entire afternoon the journalists from  South American countries, where the series will be soon aired, Chile, Paraguay, Argentina, all of them: at a so distant latitudes there is a closeness to the story that is impressive. ”

Perhaps for the topic, since it’s mainly about drug trade.

M.D’A .: “Yes, indeed, they recognized their own reality. I think European gomorra-serie-genny-Countries know it,  they have much more difficulty in telling it, but they know very well that it’s even of their cities. So I think there were two types of recognition: one on the content point of view and another on the quality, that in my humble opinion is much more important, however, because I would  redimension this series to an audiovisual product and that’s it. ”

You currently have a project on a piece about the problem of eternit, have you?

M.D’A .: “A movie: I’m co-producing it, my first film, with my company called “La piccolo società”. I’m co-producing it with Indiana Production the ones of “Human Capital” by Paolo Virzì that runs for Academy Award. We are preparing, we are in Casale Monferrato, we will film this incident took place; my partner Francesco Ghiaccio, I wrote the script with, will be the director, the leading actors are Matilde Gioli and Giorgio Colangeli. It’s a great story about a father and son in the background of this event that happened  almost  5 years ago and, as a legal case, we saw last week how it bitterly has been closed in the court of cassation. So we will raise even more our yell to demand justice . ”

Closing: a playwright, drama script, on which you would like to work, and that you would like to play and American director with whom you would like to work.

M.D’A .: “I have been lucky enough to work hard with Toni Servillo, it may seem obvious that I still name him but I would love to come back to work with him on an important project. I’m not hurt anyone naming him, but there are SERVILLO D'AMORE UNA VITA TRANQUILLAmany, because my first job and my first joy is being a viewer, both of movies and theater: I admire others’ work and I always follow it. This, about the director. An author I’d investigate and I feel close, that I know because I have studied and continue to,  Shakespeare: always in my readings, also repeated on the same text. One of my bumps is to stage a text of Shakespeare in the way I’m interested in because I think it is, after the Greek tragedy, the greatest example of theatrical literature ever produced. ”

American director you like to work with?

M.D’A .: “It is not American but is “lent” to Hollywood cinema: I say Iñárritu.”


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Marco Palvetti è un giovanissimo attore  di teatro e cinema principalmente conosciuto per  il ruolo che interpreta nella serie “Gomorra”, andata in onda  su Sky,  e tratta  dal celebre romanzo di Roberto Saviano che  ha contribuito  alla sceneggiatura.  Palvetti è  Salvatore Conte,  algido e ascetico Gomorra-episodio-10-Conte narcotrafficante rivale del boss Pietro Savastano. L’ho incontrato in occasione della messa in scena della commedia “Nuda proprietà” tratta da un romanzo di Lidia Ravera con Lella costa e Paolo Calabresi al Remondini di  Bassano del Grappa. La storia è quella di una signora anziana che per garantirsi una vecchiaia tranquilla decide di vendere l’immobile in cui vive in modalità di nuda proprietà. Nell’attesa di vendere, subaffitta a uno psichiatra di cui poi si innamorerà, ricambiata. Marco Palvetti interpreta la parte dell’ ambiguo agente immobiliare che acquista la casa. Sebbene la fascinazione di Salvatore Conte sia quasi inevitabile da parte del pubblico che ha visto e, se vogliamo, vissuto la serie, l’aderenza tra i due personaggi rimane comunque  frutto di 1Nuda1una suggestione  giocata dalla capacità di coinvolgimento del prodotto artistico “Gomorra”. Palvetti è un attore serissimo e vederlo in una commedia, dopo il successo di Gomorra, sicuramente permette una lettura più approfondita del suo talento nell’interpretare i diversi personaggi che porta in scena.


l’intervista può essere letta al  link  che  segue ed  è  su  due  pagine



date tournée

domenica 7 VERCELLI Teatro Civico

martedì 9 SEREGNO (Monza-Brianza) Teatro San Rocco 
mercoledì 10 SEREGNO

giovedì 11 SAN DONATO MILANESE (Milano) Sala Troisi

venerdì 12 CESANO BOSCONE  (Milano) Teatro Cristallo

sabato 13 GORGONZOLA (Milano) Sala Argentia

domenica 14 CREMA (Cremona) Teatro San Domenico

lunedì 15 CONCOREZZO (Monza-Brianza) Cineteatro San Luigi

martedì 16 LUGANO (Canton Ticino -Svizzera) Teatro Cittadella
mercoledì 17 LUGANO

giovedì 18 GUIDIZZOLO (Mantova) Teatro Supercinema

venerdì 19 PORTOGRUARO (Venezia) Teatro Russolo

sabato 20 FERRARA Teatro Comunale
domenica 21 FERRARA


mercoledì 7 CERVIA (Ravenna) Teatro Comunale
giovedì 8 CERVIA

venerdì 9 BAGNACAVALLO (Ravenna) Teatro Goldoni

sabato 10 FANO (Pesaro-Urbino) Teatro della Fortuna
domenica 11 FANO

lunedì 12 MELDOLA (Forlì) Teatro Andrea Dragoni

martedì 13 IMOLA Teatro Comunale
mercoledì 14 IMOLA
giovedì15 IMOLA
venerdì 16 IMOLA
sabato 17 IMOLA
domenica 18 IMOLA

martedì 20 COLLE VAL D’ELSA (Siena) Teatro del Popolo

mercoledì 21 CASCINA (Pisa) La Città del Teatro

sabato 24 TERNI Teatro Secci
domenica 25 TERNI

martedì 27 ROMA Teatro Eliseo
mercoledì 28
giovedì 29
venerdì 30
sabato 31


domenica 1 ROMA Teatro Eliseo
martedì 3 ROMA
mercoledì 4 ROMA
giovedì 5 ROMA
venerdì 6 ROMA
sabato 7 ROMA
domenica 8 ROMA

lunedì 9 CASTELLAMMARE DI STABIA Teatro Supercinema


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Tv: 'Gomorra - La serie'; dal 6 maggio debutta su Sky Atlantic

Per chi non lo conoscesse Marco D’Amore è un attore di Teatro e di cinema noto al “grande pubblico”  principalmente per  il ruolo di Ciro Di Marzio nella serie tv Gomorra, andata in onda su Sky Atlantic. La serie è stata comprata da oltre 100 paesi ( tra cui gli USA, prima serie italiana) e ha riscosso un grandissimo successo nei paesi dove è stata finora trasmessa. Questa serie è chiaramente tratta dal libro di Roberto Saviano, che ha contribuito alla stesura della sceneggiatura. Ho incontrato D’Amore a Milano in occasione della presentazione del cofanetto  DVD e Blueray della serie e abbiamo parlato di come il suo personaggio assomigli a Iago, di come Donna Imma, la moglie del boss Pietro Savastano, sia stata paragonata a Lady Macbeth, tanto di teatro e tantissimo di Napoli, città qui raffigurata in maniera assolutamente insolita, rispetto ai consolidati luoghi comuni che generalmente vengono definiti  “caratteristiche tradizionali” ma che di tradizionale non hanno nulla. Gomorra  è una serie fatta benissimo, oltre alla recitazione superba di TUTTI gli attori, anche di quelli con le parti minori e di contorno, una cosa che mi haLungomare-di-Napoli-in-tempesta-3 davvero incuriosita è la cura della fotografia: Napoli la conosco bene e anche con il cielo in tempesta  non riesce comunque ad essere così mostruosa, almeno ai miei occhi e al mio cuore, così come viene dipinta (“dipingere” credo sia il termine più adatto) dal meraviglioso direttore della fotografia Paolo Carnera ( allievo di Vittorio Storaro, il fotografo di molti dei film di Bertolucci, Oscar nel 1980 per “Apocalypse Now”, nell’82 per “Reds”, nell’88 per “L’ultimo Imperatore”). Carnera è andato a studiare Napoli per conto suo, molti mesi prima di cominciare a girare. Insomma un lavorone questo di Gomorra-la serie, bellissimo, entusiasmante, shakespeariano ma vissuto in napoletano (il termine “recitare” mi sembra quasi riduttivo), un orgoglio italiano e napoletano.  Affinàle, vedetelo che merita davvero.

La drammaturgia di “Gomorra” è stata paragonata ai testi di Shakespeare, Donna Imma a Lady Macbeth, Ciro sicuramente assomiglia a Iago. Una cosa che è sicuramente molto simile a Shakespeare è che il bene e il male si equivalgono, lo abbiamo visto anche in “Perez” (film interpretato con Luca Zingaretti n.d.EDD): azioni esecrabili e nobilitanti sono messe in atto dal medesimo personaggio. La cosa che differenzia Gomorra da Shakespeare è la motivazione dei personaggi, secondo me: Lady Macbeth è spinta dall’ambizione e sobilla il marito all’azione diretta, mentre Donna 10376307_721453577948645_3645562485633446695_nImma è autonoma, è cosciente che deve rimanere lucida, altrimenti perde il controllo della situazione, è sicura del suo status perché la sua ambizione è già espressa, è già al vertice. Ciro da parte sua non è mosso da ambizione, perché non c’è un Cassio che ha preso il suo posto, ma dal desiderio di vendetta del suo amico Attilio, sebbene le sue dinamiche siano insidiose e distruttive come quelle messe in atto da Iago.

Marco D’Amore: “Ti dico, in tempi non sospetti mi avvalgo del diritto di dire Othello_Iago-BBCTL81che la citazione rispetto a Iago l’ho fatta in prima persona pensando al mio personaggio: avevo detto che quella era stata una vertigine, come molto spesso capita quando lavori su un personaggio che è comunque epico e ha per sua natura una struttura molto complessa. Quindi oltre a fare una ricerca nel reale e nella realtà, a me personalmente, visto che poi la mia formazione è assolutamente teatrale, mi capita molto spesso di pensare a dei personaggi della letteratura teatrale a cui sono particolarmente legato. Avevo messo a confronto questi due personaggi, Ciro Di Marzio e Iago, perché sono tutti e due militari, sono uomini di fuoco: Iago è definito un alfiere e allo stesso modo Ciro Di Marzio è un alfiere di Pietro. Quello che mi intrigava dei due era la componente psicologica perché rispetto al ruolo che rivestivano era evidente quanto la qualità del personaggio fosse molto superiore. Rispetto al personaggio di Imma penso che ci sia un’analogia con la  Lady perché tutte e due, rispetto a delle logiche di potere, difendono  un nucleo  che è fondamentale,  quello della famiglia: io non penso che Imma sia mossa semplicemente da un desiderio di salvaguardia, Imma difende un potere assunto che è quello della sua famiglia, allo stesso modo la Lady, con macpolanski5poi delle derive diverse, assume il potere decisionale nel momento in cui sente la fragilità del marito e deve difendere il suo branco, che è quello piccolo e ridotto a sé e al marito, allo stesso modo il nucleo di Imma…”

È anche un feudo, se vogliamo.

M.D’A.: “Si sì, assolutamente. Io credo che ci sia ovviamente una distinzione perché lì c’è un’epica dei personaggi e della vicenda che rimanda all’umanità, qua c’è una condizione più metropolitana; però se non si fa un distinguo così netto tra bene e male, tra realtà ed epicità, si può ritrovare anche in questa storia e in questi personaggi una descrizione molto più ampia dell’umanità.”

Una cosa che accomuna Gomorra al teatro classico è l’apparente assenza di scelta: sembra che la strada di questi personaggi sia già tracciata. Eppure vediamo che, come dicevamo, sono coscienti di cosa sia giusto, di cosa sia dannoso, disonorevole. Essendone coscienti in qualche modo sono in grado di effettuare una scelta, eppure uccidere è normale, spacciare e rubare è cosa ‘e niente eccetera. Però è come se il destino fosse già deciso qualsiasi cosa facciano. Qui non ci sono degli dei: chi è che decide?

M.D’A.: “Qui c’è una divinità luccicante e molto meno alta -in termini emotivi e sentimentali- e molto più concreta, che è il danaro. Dal mio punto di vista non si può non guardare a questi personaggi e a queste vicende se non incasellandoli in una logica di potere. Potere. Non è vero che non esistano sentimenti, esistono. Non è vero che non ci siano legami, ci sono ma sono tutti sempre piegati a logiche di potere, assolutamente. È questo il dio di Gomorra.”

Ti faccio la stessa domanda che ho fatto a Marco Palvetti: trentennale di Eduardo, “Le voci di dentro” in diretta con i Servillo voci_dentro_1c2090_ce la regia ( televisiva n.d. EDD) di Sorrentino, hashtag dedicato in top trend su Twitter, successo incredibile. Dall’altra parte, non so se hai visto, c’è un video di Fanpage: sono andati per strada a Napoli…

M.D’A.:“L’ho visto, l’ho visto.”

Ecco, allora: “Eduardo chi? Ma parente di Maria De Filippi??”. I ragazzi di 20 anni erano 4 o 5 ma bastano e nel momento in cui il giornalista dice: “beh adesso ti scusi coi lettori di Fanpage”  e “Vien’ t a piglià o’ perdono”, loro comunque capivano il riferimento. blogdicultura_dc2551bcf8c0f7e398071c5faae85ac5Problema nr  1: perché ci sono dei pubblici che sono completamente all’oscuro di cose che culturalmente li riguardano direttamente? Secondo problema: c’è qualcosa che culturalmente non trova più substrato per attecchire e quindi va in qualche modo modificato, rimodernato e, se serve, anche impoverito o alleggerito?

M.D’A.: “Rispetto al servizio ti rispondo in due modi: il primo è che è evidente che ci deve essere del sale e del pepe per fare un buon servizio e che la costruzione rispecchi in qualche modo la realtà ma che sia costruita ad hoc, ovviamente…”

Chiaro: non mostra quelli che… però già 4 o 5 ragazzi che non sanno…

M.D’A.: “Si sì: la memoria è un valore, se è coltivata tramandata e insegnata. Eduardo De Filippo, alla metà degli anni ‘70 inizio anni ’80, aveva fatto edoardoun’operazione magistrale registrando integralmente tutte le commedie  de “La cantata dei giorni pari” e “La cantata dei giorni dispari” per la televisione. Quello era stato il progetto di un uomo lungimirante e di cultura che aveva capito quanto la partecipazione del pubblico a teatro si stesse perdendo e quella era una sua azione ben precisa per incidere rispetto alla realtà e per far sì che non si dimenticasse. Io mi ricordo, quando ero bambino, ho visto tantissime commedie di  Eduardo in tv: sono 15 anni che non le vedo. Allo stesso modo ricordo di aver visto alcuni tra i film più belli che il cinema abbia mai prodotto in tv, in prima serata. Oggi è difficile che un mio coetaneo o un ragazzo più piccolo possa godere  in tv in prima serata, sulla tv generalista, di un film di Volonté, i film della cinematografia italiana degli anni ‘70, da Petri a Germi  a tantissime cose, la grande cinematografia Filumenaamericana. Il problema è quello, secondo me: questo è un preciso indirizzo culturale che non fa altro che impoverire la memoria che si dissipa nel tempo e impoverire il bagaglio culturale di chi guarda e di chi osserva; è evidente che ci sono delle cose che non hanno più spazio ed è un peccato.”

Teatro e media: una domanda che faccio spesso a chi si occupa di teatro. Probabilmente saprai dell’esperimento che ha fatto Daniele Timpano con Aldo Morto 54, quello è un esempio. Oppure “Le voci di dentro” in diretta in televisione. Tennesee Williams, o Peter Shaffer -mi sono occupata del suo “Amadeus” ultimamente- che 566565-kate-winslet-christoph-waltz-john-c-reilly-jodie-foster-carnage-polanski1vince anche l’Oscar, o Yasmina Reza con Polansky, dal teatro ecc. Il teatro deve essere per forza il “qui e ora” oppure può essere anche un testo che poi può anche essere declinato in cinema e televisione? Shakespeare, Marlowe, se avessero avuto il cinema lo avrebbero sicuramente utilizzato.

M.D’A.: “Sicuramente. Ma io penso che c’è da fare una grande distinzione: il Marco_D_Amore_ne_L_Acquario3-681x1024teatro tout court è un’esperienza prima di tutto biologica e per biologica intendo che allo stesso giorno, nello stesso orario nello stesso luogo, un certo numero di persone condivide l’aria, le puzze, i sudori e gli sputi e decide coscientemente di partecipare  a una finzione e dare per assunto che per due ore quella è la realtà. Quindi l’esperienza teatrale è quella. Che poi ci possano essere delle trasposizioni e delle derive, sia rispetto ai testi che la drammaturgia teatrale ha regalato, sia rispetto alla possibilità anche di raccontare il teatro attraverso il cinema, tu hai citato degli esempi altissimi: è dell’anno scorso “La venere in pelliccia”,un film che io ho amato tantissimo e che è il secondo esperimento che fa Polansky di trasposizione dopo “Carnage”  ma fatto attraverso il filtro di un grande maestro del cinema che riesce anche a raccontare un’esperienza teatrale attraverso lo schermo.”

La Napoli espressa nella drammatizzazione di Gomorra: la città-

Di Leva Pantaleo _DSC0296personaggio, personaggio spesso anche travisato perché si rischia sempre di cadere nell’errore interpretativo del folklore un po’ trash. A partire dalla versione teatrale di Gomorra  di Mario Gelardi in cui tutto si svolge in una struttura tipo cantiere, nel film vediamo le periferie: tutto questo dà una connotazione internazionale al contesto, cioè ciò che caratterizza sia la Gomorra di Mario Gelardi, che la vostra, che il film di Matteo Garrone è il gomorra-garronelinguaggio, perché potrebbe essere Caracas  o Berlino. Avrai sentito un po’di polemiche, tipo gite scolastiche annullate…

M.D’A.: “Ma quelle sono boutade! Quali gite annullate!?”

Eh ma tanta gente pensa che a Napoli davvero si viva così. Come mai il pubblico che Napoli non la conosce ha identificato una città 1384989070-naples_at_night_by_inviv0-d5snya0che ha il centro storico più grande d’Europa semplicemente con un quartiere di periferia?

M.D’A.: “Allora: penso che sia molto comodo stare a sentire le voci e starsene tranquilli e comodi a casa  pensando di vivere una vita tranquilla e che ALTROVE ci siano i problemi. In questo senso Napoli fa SEMPRE molto comodo al resto dell’Italia perché sembra un po’il coacervo dei problemi di questo Paese mentre altrove si sta bene: così non è. Poi, mi ripeto per l’ennesima volta: è IMPOSSIBILE e non è sicuramente l’intento di questa  serie, raccontare Napoli, perché Napoli è un caleidoscopio di esperienze, di idee, di emozioni. Questa serie, così come il gomorrafilm e così come lo spettacolo di Mario, più che il linguaggio, più che l’ambientazione, hanno in comune il libro di Roberto. Il libro di Roberto è un libro che indaga le associazioni criminali dall’interno, quindi per forza di cose c’è un’accomunanza tra i tre progetti, ma non c’è assolutamente la pretesa di raccontare Napoli, anzi, c’è forse l’intento di demonizzare quello che rende  Napoli un posto che potrebbe dare molto di più e che invece ha molti limiti.”


Torniamo alla lingua: se ne è parlato tanto, anche col discorso che Di Vaio ha cercato di creare uno standard nuovo di napoletano, diciamo che è un napoletano leggermente semplificato, non è il napoletano che si sente parlare per le strade, che è una lingua comunque difficile. Al di là del fatto che ci sono stati degli errori di traduzione: c’è una scena in cui tu dici “stamm pazziann” e viene tradotto “siamo impazziti”…

M.D’A.: “Eheh, vabè può scappare  dai…”

Ci sono state delle italianizzazioni: c’è un’altra scena in cui tu dici gomorra ciro gennyqualcosa tipo “ ‘amm entrà” io direi “ ‘amm trasì”. Questo però rispecchia la realtà perché c’è un effettivo impoverimento della lingua napoletana che comunque è ricchissima di figure retoriche. Soprattutto in questo momento, ci sono più fenomeni: da una parte ci sono le persone magari un po’ anziane che parlano un napoletano ancora ricco, dall’altra i giovani  italianizzano e dall’altra parte c’è un utilizzo estremamente poetico e difficile del napoletano nel campo della musica. Io ho preso la canzone di Lucariello e ‘Nntò e me la sono fatta non tradurre ma parafrasare: è un napoletano difficilissimo, ricchissimo di metafore. Nell’ambito della tutela che è appena stata sancita da parte dell’Unesco nei confronti della lingua, secondo te, l’hip hop napoletano può essere un bacino di salvaguardia?

M.D’A.: “Rispetto alla lingua napoletana bisogna fare una considerazione: a Napoli la lingua si è espressa prima nei termini della canzone e della poesia e poi è diventata linguaggio popolare. È così che si è affermata. Se si può parlare, in questo Paese, di LINGUE teatrali, a mio avviso, storicamente ce ne sono due, che sono il Napoletano e il Veneto, che sono state tradotte nel teatro, mi rifaccio alle esperienze di Goldoni  per il Veneto e a quelle fino agli anni ‘70 e ‘80 della produzione Eduardiana. Rispetto a Gomorra io veramente sancisco un merito a SKY che ha comunque azzardato rispetto a un prodotto commerciale da prima serata nazionale comunque una lingua difficile da comprendere. È ovvio che sia edulcorata perché innanzitutto parlare di dialetto napoletano è difficile perché c’è un dialetto dei Quartieri Spagnoli, ce n’è uno del Vomero, uno dei paesi vesuviani…”

…Sì, cambia da rione a rione  a volte.

M.D’A.: “Si sì. Noi abbiamo cercato di creare una lingua che suonasse e che fosse credibile in bocca a quei personaggi, poi è evidente che il linguaggio cambi, che ci sia una pratica sempre meno diffusa di conoscenza rispetto a borrelliquello che è il vero dialetto napoletano. Però, così come tu hai citato la canzone, per il teatro mi viene da citare Mimmo Borrelli, che fa un percorso personalissimo e secondo me veramente affascinante e meraviglioso rispetto alla lingua, la sua provenienza è quella dei paesi vesuviani. Fino agli anni ’70- ’80 c’è stata una produzione che è quella di Moscato, meravigliosa e altrettanto affascinante sulla lingua. Per cui penso che Napoli comunque è in un’evoluzione ma tenda sempre a conservare questa radice lessicale che spero non si perda mai.”

Tornando a Shakespeare, il grande genio del paradosso: come vediamo sia in Gomorra che in Perez sono  personaggi  da una parte repellenti ma sono anche molto attraenti perché hanno i soldi, coprono le donne di regali, i brillanti, le guardie armate (come dice il tuo personaggio in Perez). Nella loro essenza paradossale, se non fossero recitati in napoletano, quali dispositivi attoriali avreste 10629555_725798067514196_2824307487906168950_ndovuto utilizzare per renderli ugualmente penetranti?

M.D’A.: “Eh guarda, ti dico sinceramente che lì sarebbe stato difficile anche perché la fortuna per certi attori che anno un background così forte rispetto alla lingua, è che con l’italiano si compie già un percorso di finzione. Mi spiego meglio: per me il napoletano è la lingua del pensiero, io penso in napoletano, quindi se recito in napoletano non metto nessun tipo di filtro al linguaggio. Sarebbe stato impossibile: se tu guardi per esempio “The Wire”, che è una grandissima serie  a cui Gomorra è stato paragonato, lì il linguaggio usato è quello dei sobborghi, quello del Bronx, quello dei quartieri, che è totalmente diverso dallo slang quotidiano. Tu così fai passare anche una verità. Viceversa sarebbe stato molto molto difficile.” 

La lente culturale attraverso la quale i vari paesi hanno letto Gomorra: chiaramente i primi che hanno fatto riferimento a Shakespeare sono stai gli anglosassoni perché loro hanno quella del teatro elisabettiano …

M.D’A.: “No! O’ primm ch’ha fatto riferimento a Shakespeare so’ stat’ io, già primm ‘e Gomorra, e se l’hann pigliat tutt’ quant’ chesta cosa c’agg ritt e c’hann fatt’ ‘e titoli! Lagg ritt’ io perché nisciun’ l’aveva  detto! Dammi questo merito!”

Allora ufficialmente scriviamo che lo hai detto tu e che gli inglesi ti sono venuti dietro!

M.D’A.: “Ok!  Ahahaha!”

Quali sono le altre lenti culturali attraverso cui gli altri popoli hanno letto l’opera, come i tedeschi o gli spagnoli?

M.D’A.: “Innanzitutto quello che ci arriva dagli altri paesi è una conferma del fatto che questa serie abbia alzato tanto l’attenzione rispetto ai prodotti italiani: tutti quanti hanno brindato a un Rinascimento perché non si aspettavano che in Italia si potesse produrre una cosa del genere. Al di là dei contenuti, la prima cosa di impatto che è arrivata è stata la qualità e per qualità intendo scrittura, regia, fotografia, recitazione. Poi  è evidente che Ciro-di-MarzioMarco-dAmore-e-Daniele-Enzo-Sacchettino2ogni  società fa i conti con un prodotto rispetto a quello che vive e che decide di raccontare di sé: io ti posso dire che ho avuto la possibilità, un pomeriggio intero, di confrontarmi coi giornalisti dei paesi sudamericani in cui a breve uscirà la serie, Cile, Paraguay, Argentina, tutti, e a latitudini così distanti  c’è una vicinanza al racconto che è impressionante.”

Forse per l’argomento, trattandosi principalmente di narcotraffico.

M.D’A.: “Si sì, hanno riconosciuto la propria realtà. I paesi europei secondo me la conoscono, fanno molto più fatica a raccontarla, ma sanno bene quanto sia anche tra le strade delle loro città. Quindi secondo me ci sono stati due tipi di riconoscimento: uno dal punto di vista dei contenuti e un altro da quello della qualità  che a mio modesto avviso è molto più importante, perché comunque io ridimensionerei questa serie a un prodotto audiovisivo e basta.”

Tu in questo momento hai un progetto su uno spettacolo sull’eternit?

M.D’A.: “Un film: lo sto co-producendo, il mio primo film, con la mia società che si chiama “La piccola società”. Lo sto co-producendo con Indiana Production che sono quelli de “Il capitale umano” di Virzì candidato all’Oscar. Adesso siamo in preparazione, siamo a Casale Monferrato perché gireremo dove questa vicenda ha avuto luogo; il mio socio Francesco Ghiaccio, con cui ho scritto la sceneggiatura, farà la regia, i protagonisti sono Matilde Gioli e Giorgio Colangeli ed è una grande vicenda tra un padre e un figlio  sullo sfondo di questa storia che ha quasi  5 anni e che la settimana scorsa ha visto conclusa in cassazione, purtroppo amaramente, la vicenda giudiziaria. Quindi noi alzeremo ancora di più il nostro grido per rivendicare giustizia.”

In chiusura: un autore teatrale, testo teatrale, su cui ti piacerebbe lavorare e che ti piacerebbe interpretare e regista americano con cui ti piacerebbe lavorare.

M.D’A.: “Io ho avuto la fortuna di lavorare tanto con Toni Servillo, può sembrare scontato che citassi ancora il suo nome però mi piacerebbe SERVILLO D'AMORE UNA VITA TRANQUILLAtantissimo poter ritornare a lavorare con lui su un lavoro importante. Non faccio torto a nessuno citando lui ma ce ne sono tanti, anche perché il mio primo mestiere e la mia prima gioia è di fare lo spettatore, sia di teatro che di cinema: ammiro tantissimo il lavoro altrui e lo seguo sempre. Questo, il regista. Un autore che mi piacerebbe indagare e che sento vicino, conosco bene perché l’ho studiato e continuo a farlo, la produzione shakespeariana, sempre tra le mie letture anche ripetute rispetto allo stesso testo. Uno dei mie pallini è quello di mettere  in scena un testo di Shakespeare con le modalità che mi interessano perché penso che sia, dopo la tragedia greca, il più alto esempio di letteratura teatrale mai prodotta.”

Regista americano con cui ti piacerebbe lavorare?

M.D’A.: “Non è americano ma è prestato al cinema hollywoodiano: ti dico Iñárritu.”